Blogia
YSonidos

Músicos

Natalia Molina y Annett Louisan: dulces en distinto frasco

Artículo sobre Natalia Molina, cantautora chilena, y Annett Louisan, cantante alemana.

foto de Annett Louisan y Natalia Moilina La alemana pasea su música ante espectadores formados en un ambiente de respeto y aprecio por las expresiones artísticas; la chilena tiene que vérselas muchas veces con personajes mal educados (flaites con cartón) que no paran de hablar e interrumpir mientras canta. La rubia trabaja con una infraestructura de primer mundo en todos los escenarios en que actúa; la morena debe darse vueltas en pequeños escenarios, incómodos la mayoría, pero llena de energía para tocar. La europea tiene un público objetivo de casi 100 millones de germano-hablantes; la chilena, más de 400 millones de personas divididas por sus cerrados mercados artísticos de países que no aceptan el acento distinto de sus vecinos, sin olvidar a un gran porcentaje de seres que tiene la cabeza puesta en Estados Unidos más que en su propia cultura hispano-parlante. Sin embargo, a pesar de estas circunstancias tan desiguales, ambas imponen sus repertorios con seguridad, creatividad y muchísima dulzura. Al pulsar play sólo te dejas llevar por buenas canciones. En ese “escenario”, ambas “compiten” con igualdad.

Annett Louisan. Nunca he ocultado mi afición por la búsqueda de música en otros idiomas. Me gusta mucho escuchar canciones de otros lugares del mundo que vayan más allá del inglés como lengua de soporte. Hace unos meses mientras escribía, investigaba y me inspiraba en tierras de esta cantante, confieso que me fue difícil encontrar música de mi paladar. Alemania es una cuna insigne, entre otras expresiones, de buen cine y del diseño (toda una revelación para mí), donde su “buen gusto” emociona, tanto a nivel plástico, arquitectónico o urbanístico. Pero, descartando la opera y lo clásico donde los teutones son fundamentales, o el jazz donde la variedad es excelente, confieso que musicalmente su rock demasiado clásico no me mueve; que su pop es, digámoslo, muy de segunda categoría; y la electrónica (creada por ellos) no me mata.

foto de Annett Louisan Hasta que de pronto con su cabellera rubia y llena de picardía, irrumpió la señora ANNETT LOUISAN en mi camino, primero con una decepción al no poder conseguir entradas para verla en la carpa principal del Zelt-Musik-Festival en las afueras de Freiburg (finalmente la escuchamos afuera del recinto con cientos de personas tomando cerveza y echados en el pasto), pero luego como el referente que me acompañó por muchas semanas en la gran nación de Europa. Es que tal vez sea ella una de las pocas exponentes de lo que en nuestra América, España, Francia, Italia o Inglaterra encontramos levantando sólo una piedra en el camino. No sé si es una cuestión del idioma, pero no es fácil hallar una artista que resuma en su repertorio la recuperación de viejos sonidos que se presentan actualizados y vigentes, con la balada inteligente, la que es intervenida con tintes de jazz, bossanova, tango o la pastoril francesa. Frau Louisan es una chica con una voz bellísima, pero sobretodo, con una expresividad que la hace acercarse mucho al estilo de muchas de sus colegas galas, que incorporan la teatralidad no sólo como una cuestión de puesta en escena, sino como una forma de cantar, con una fuerte tendencia a la sátira, logrando que su evidente coquetería, de la que ella misma se ríe, sea una fórmula traviesa de enfatizar su repertorio, más que un simple recurso extra-musical.

¿Mis canciones preferidas?: „Das Spiel” (El Juego), „Das große Erwachen (... und jetzt...)” (El gran despertar), “Torsten Schmidth”, “Chancenlos” (Sin oportunidades), “Beerdigung” (El funeral), „Das alles waer nie passiert” (Todo esto nunca habría pasado) y „Das schlechte gewissen” (La conciencia mala). Discos: “Bohème” (2004); „Unausgesprochen” (No pronunciado-2005); „Das Optimale Leben” (El día óptimo–2007); y „Teilzeithippie” (Hippie de medio tiempo-2008).

Ves
DAS GROβE ERWACHEN (… UND JETZT…)

pista 1 – Unausgesprochen


.


foto de Natalia MolinaNatalia Molina. Otra perla que descubrí en MySpace. Para tipos como yo al que se intenta atacar por todos los flancos con bombas de música de los ’80 por la guerrilla generacional que no parece entender que el mundo sigue girando -que los obreros del arte siguen creando-, es muy complicado acceder a este tipo de creación. Pero esta red social donde encuentras a diario un ejército de músicos bisoños, ¡de todo el mundo!, mezclados incluso con viejos exponentes que el sistema ordena olvidar, me permite poder cruzar la puerta y entrar a una sala de sonidos y letras revitalizadoras. Blusera, valsera y sumamente dulce, NATALIA MOLINA es una poeta que también corrió por los pasillos del centro cultural Balmaceda 1215, allí donde a mediados de los ’90 grabáramos videoclips de músicos emergentes para el Canal Rock & Pop con un equipo creativo de esos que se extrañan. Esta característica de ella es algo que se agradece mucho, porque sus canciones no son sólo melodías bonitas. Sus “temas” tienen contenido, un contenido concreto y bien pensado, algo que se hace costumbre en las nuevas chicas de la canción chilena.

“La idea siempre fue dibujar con palabras, escribir con colores y a todo esto agregarle una melodía, así la vida se vuelve más verde y más llevadera. Porque las letras, los trazos y los acordes son ramitas del mismo árbol que el viento ladea hacia el mismo lado. No hay diferencia entre ellas y su fin es el mismo.” Así define Natalia su trabajo, en un resumen que muchos hemos intentado hacer para definir nuestro trabajo, pero nunca con tanta claridad. Por estos días su canción “Alma” comienza a hacerse cada vez más conocida y ya ha ganado algún reconocimiento por ahí. Es bueno, porque así podremos ver su agenda de conciertos multiplicada, y la posibilidad de tener pronto un álbum suyo en las manos se hace más real. Mientras tanto, sus canciones forman parte de su proyecto “Aullidos”, sonidos que seducen mucho y letras que viven bajo el amparo de Erato, la amorosa musa de la poesía.

¿Mis canciones preferidas?: “Alma”, “Revancha”, “El último esfuerzo” y “El final”. Discos: Aún no edita su primer disco.

Ves
ALMA

No forma parte de un álbum (04/01/2009)

Alma,
el aire tratará de abandonarnos,
el tiempo tratará de avejentarnos,
por mientras te escudas en mí.

Alma,
los tontos ya trataron de ignorarnos,
los otros tratarán de aniquilarnos,
por mientras te escudas en mí.

No creas que es tan fácil
dejarse llevar,
El día es el que empieza,
cuando quieres,
sólo quieres terminar.

Alma,
el aire tratará de abandonarnos,
el tiempo tratará de avejentarnos,
por mientras te escudas en mí.

No creas que es tan fácil
dejarse llevar,
El día es el que empieza,
cuando quieres,
sólo quieres terminar.

Alma,
rodar por los caminos no es eterno,
errar es mal de vivos, no de muertos,
por mientras te fundes en mí,
por mientras te fundes en mí,
por mientras te fundes en mí,

por Denis Leyton

.


más información en
Sitio oficial de Annett Louisan
Annett Louisan en MySpace
Annett Louisan en Last FM
Annett Louisan en iLike
Annett Louisan en Facebook
Annett Louisan Canal Youtube
Blog de Natalia Molina La Máquina de Aullidos
Natalia Molina en MySpace
Natalia Molina en Facebook
Cuna de Piedras Selección de dibujos de Natalia Molina
Natalia Molina – Aullidos en Podomatic

.


comparte este artículo

del.icio.us Add to Technorati Favorites Add To Google BookmarksAgregar esta página a Mister Wong Yahoo! My Web Votar


.
.
.
|
.
.
.

*

¿Y esta publicidad? Puedes eliminarla si quieres

La Monine y Sofia Talvik: La Fuerza de la Canción Suave

Artículo sobre las cantautoras La Monine (Chile) y Sofia Talvik (Suecia).

foto de Sofia Talvik y La Monine Sé que en algún momento tendré que referirme más extensamente a ellas, pero tengo una necesidad de clavar una banderilla con sus nombres ahora, porque es lo que estoy escuchando y son parte de todo un cúmulo de “estrellas” nuevas para mí. En este caso en particular, quizás si lo único que una a ambas sea esa suavidad de sus voces que se tornan fuertes en las sensaciones. Separadas por miles de kilómetros, todo un océano, muchos usos horarios y una línea del Ecuador de por medio, han hecho circular su trabajo en la red como fuente fundamental de contacto con un público especial, ese que anda buscando nuevos referentes en medio de una caterva de músicos nóveles que suenan como viejos y viejos que siguen tocando lo de siempre… y han conseguido derribar bastantes mitos sobre la difusión de la música.

Sofia Talvik. Cuando la industria discográfica busca en todo el mundo poner restricciones en relación al uso de internet y nuevas tecnologías, asoman músicos que, tan usuarios que son de estos artilugios como nosotros, se entregan voluntariamente a sus fanáticos para ser capturados en esta red de fuerzas creativas y auditoras que tejen unidas con toda naturalidad. A esta sueca la conocí de casualidad en redes sociales de música como Last FM, iLike y MySpace, lugares donde se mueve con una estrategia simple y libre: regalar canciones.

foto de Sofia Talvik“Free mp3” o “descarga gratuita” dicen los enlaces, y de pronto su voz hermosa se ve envuelta en una relación cercana con mi reproductor. Se buscan, se entienden, se gustan. Y así como yo, muchas personas en todo el mundo se encantaron tanto con ella, que hoy compran de todas maneras sus discos y sus singles, bajan sus demos y provocan una apertura que la ha llevado a ser invitada a festivales como Lollapalooza en Chicago, y tener una agenda de conciertos en alza.

Musicalmente hablando, me sedujo su voz suave y su estilo acústico con una marcada influencia de bandas británicas como “The Cranberries”. SOFIA TALVIK, que compone sus propias canciones, toca la guitarra bastante bien, logrando que su sonido en vivo sea muy similar al buscado en sus grabaciones de estudio: una canción simple. Su álbum debut “Blue Moon”, es prácticamente una sesión acústica en vivo grabada en un estudio. Sólo espero que su prolongada estadía en tierras del Tío Sam no le haga perder ese encanto europeo en manos de esa “latinidad” de plástico de Florida (mejor váyase derechito a la isla que está cerquita de ahí). Por el contrario, ojalá se surta de influencias como Fiona Apple o Norah Jones.

¿Mis canciones preferidas?: “Ghosts”, “As summers pass”, “Beautiful naked” y “Mother’s Way Father’s Way”. Discos: “Blue Monn” (2005); “Street of dreams” (2007); "Jonestown” (2008).

Ves
GHOSTS

pista 1 – Blue Moon


.


foto de La Monine La Monine. Karen González, su verdadero nombre, presenta su perfil en MySpace como “canción popular melodramática”, y creo que pocas personas saben definirse mejor que ella en unas cuantas palabras. La Monine (no tentarse con una pronunciación afrancesada, articúlese en español con la “ene” y la “e” al final), pareciera ser una chica intensamente emocional, alguien que siente profundamente y que, por lo tanto, cuando le duele algo, le duele mucho: “La Monine es unipersonal Dramática y melodramática Es una canción de cuna breve que se desvanece Una voz desconocida que le canta a la muerte Una espiral que te envuelve Un verso que quedó en tu mente para siempre…”

Pero no se crea que esta chilena santiaguina explota con gritos desgarrados. Lo suyo es la intimidad, el corazón que busca palparse con las manos suavemente. Cuando escucho sus canciones me la imagino actuando un monólogo acerca de los dolores del alma, esos que sólo encuentran en la composición y en el canto la forma de sanar. Asoma la melancolía, pero la dulzura de su voz y su original forma de componer y arreglar, te llevan rápidamente a la parte alta de la curva, esa que supuestamente empezó abajo, más abajo de la línea de base.

LA MONINE hasta ahora es lo que podría llamarse una artista experimental, una músico (¿está bien dicho “una música” así como decimos “un músico”?) que juega con los sonidos, theremin incluido, dando vida a un repertorio electrónico con una fuerte influencia del folclor (¡creo que así compondría Violeta Parra hoy!), además de una búsqueda visual bastante atractiva, tanto en su propia imagen gótica en rebeldía, como en sus afiches y dibujos donde se aprecian algunos híbridos entre su imagen y sirenas, gatos, caracoles y pulpos. Sus melodías mezcladas con la permanente exploración de sonidos, son profundamente adictivas. ¿Qué le falta para llegar más arriba, ser masiva y que sus obras formen parte del cancionero popular? Pues que ella lo quiera. Falta poco… muy poco.

¿Mis canciones preferidas?: “Alma”, “Angelito chino”, “Luna temprana” y “Fragilidad”. Discos: Aún no edita su primer disco.

Escuchas
ALMA

No forma parte de un álbum (04/01/2009)

He perdido el equilibrio
no me puedo sostener
me quitaste tu cariño
nunca lo pensé perder.

Ya no tengo nada mío
no me puedo contener
¿para qué tengo las piernas?
no lo pude retener.

Alma, pedacito mío
huye de este mal amor
Vuela, cúbrete del frío
dime, ¿dónde quedo yo?

Ya nada tiene sentido
sólo queda esperar
a que venga otro cariño
alguien que me quiera más.

Solamente yo le pido
no me vaya a abandonar
¿para qué tengo los brazos?
no lo pude alcanzar.

Alma, pedacito mío
huye de este mal amor
Vuela, cúbrete del frío
dime, ¿dónde quedo yo?...

por Denis Leyton

.


más información en
Sitio oficial de Sofia Talvik
Sofia Talvik en Makaki Music – Independent Record Label
Sofia Talvik en MySpace
Sofia Talvik en Last FM
Sofia Talvik en iLike
Sofia Talvik en Facebook
Grupo Facebook de La Monine
La Monine en MySpace
La Monine en Arte chileno independiente

.


comparte este artículo

del.icio.us Add to Technorati Favorites Add To Google BookmarksAgregar esta página a Mister Wong Yahoo! My Web Votar


.
.
.
|
.
.
.

*

Subhira… pacífica provocación musical

Artículo sobre la trayectoria del músico Subhira (Rodrigo Cepeda).

Si hay un músico que a través de su obra me sacó de los esquemas rígidos a los que mi trabajo y mi pasado musical me tenían acostumbrado y amarrado, ese es Subhira… o simplemente Rodrigo Cepeda. Su primer álbum marcó tan profundamente mi sensibilidad, que fue uno de los pocos sonidos que acompañaron mi viaje a las tinieblas musicales en las que vagué durante buena parte de los ’90 y el inicio del nuevo siglo, sin encontrar nada que me identificara y me reencantara... ¡qué importante es tener una banda sonora que acompañe nuestras propias historias!

El piano que evoca las travesías de este músico por los parajes del sur de Chile y de otras circunstancias de su vida de las que fui testigo en una pequeña parte (“Cahuelmó”, 1995), es tal vez tan provocador como propuestas más ruidosas o “comerciales” que inundan nuestros oídos, incluso en la escena indie, porque bordea la melancolía y la belleza, en un juego al límite entre la tristeza y el goce. “Cahuelmó”, “Sofía”, “Seng Po” y “Asturias”, por ejemplo, son ensoñadoras y nostálgicas a la vez, llenando espacios, desenterrando recuerdos, provocando la imaginación de diversas situaciones.

Me pasa mucho con “Arrayán”, donde logro “recordarme” tras el vidrio empañado por la lluvia, al calor de una salamandra, observando esas montañas de la pre-cordillera andina que parecieran venirse encima de uno.

Según explica en el álbum el propio Subhira, “Cahuelmó” debe su nombre a “uno de los lugares más hermosos e inspiradores que he conocido”. Se encuentra en la Región de Los Lagos, Chile, en lo que hoy es el Parque Pumalín. “Laguna Escondida” es una pieza tan hermosa, elevada, tal como “Valecito” o “Consuelo”, tres composiciones que forman parte de su siguiente CD, “Cañi” (1998), un homenaje a las tierras mapuches protegidas en el Santuario y modelo de conservación El Cañi, en la bifurcación del camino que une Pucón con Caburgua. “Pehuén”, denominación que el pueblo mapuche hace de la araucaria, es aquí el nombre del séptimo track que mezcla el piano con ritmo e instrumentos de los hombres de la tierra. Emocionante. Esa búsqueda del sonido clásico con el étnico se torna emocionante.

Cañi (1998)Cuando escuché estos dos trabajos por primera vez, pensé que se trataban de soundtracks de películas que nadie filmó, pero cuyas imágenes asoman por sí solas. Es que no se trata sólo de un músico, su piano y sus amigos que lo acompañan: es la mezcla de sonidos “occidentales” con ritmos folclóricos que se incorporan sutiles a alguna escena de exteriores en medio de la selva sureña, entre mañíos, lengas, aguas termales y los lagos; es la voz femenina de un coro que atrae los recuerdos de algún protagonista con la mirada perdida hacia algún volcán; es el personaje en primer plano que sonríe dichoso por su hallazgo de paz interior, mientras pasamos al plano general de él en medio de aves, lluvia y sus gotas que bajan por las hojas de los coigües y raulíes.

Escuchas
CAHUELMÓ

Track 1 – álbum homónimo (1995)

Con estos dos álbumes se reveló además una faceta inquieta en la que el músico se transformó en un empresario que no perdió la sensibilidad creativa, dando vida a la casa discográfica “Mundovivo” con la que edita sus trabajos, además de discos de artistas y bandas como Andrés Condon (cuerdas maravillosas), Viento Celta, Entrama, Romá (música gitana), Carlos Pérez y Prahba, entre otros. Este sello se define como “independiente, especializado en Música Electroacústica, World Beat, Nueva Era y toda expresión musical que vaya por un camino de bien para el mundo”.

La discografía de Subhira cierra un ciclo de lo que él llama la trilogía al editar “Travesía” (1999), una serie de ritmos y sonidos que, manteniendo el sello ya característico de su piano, se inspiran en diversos lugares de Chile y su naturaleza, como “Norte y Cal” y “Licancabur” por el norte, o “Marichiweu” y “Caleuche” por el sur.

Pero que no se espere encontrar folclor puro aquí: estas son personales adaptaciones e inspiraciones que esos lugares, su fauna o sus mitologías provocaron en el autor. Por cierto, la mezcla del instrumento clásico con el autóctono sigue marcando una pauta de elegancia en su trabajo, como el charango en “Parinas”.

Es verdad, y quizás se pueda desprender de este relato, yo conozco a Rodrigo Cepeda. Y si bien uno tiene muchos amigos en la vida, no escribe un post de cada uno de ellos. Eso me da la tranquilidad para exponerlo aquí como el gran artista que es. Lo conocí hace muchísimos años cuando dirigí un video de su grupo Equs para el Canal 2 Rock & Pop, con Sol Aravena y Prahba como integrantes… y unas bailarinas muy guapas (ya contaré mi historia de cómo pretendo rescatar de una bodega de Radio Cooperativa todo el trabajo de aquella época). Rodrigo era además quien ponía la música cada tarde en un programa en vivo de competencias escolares que animaba el Rumpy en el mismo canal extinto.

Hace unos meses la casualidad nos llevó a encontrarnos después de muchos años en la otra mitad del planeta. Subhira viaja todos los veranos europeos a tocar en tierras alemanas, donde existe un respetable circuito de personas que consumen “música del mundo”.

Es así como en Frankfurt, en medio de conversaciones sobre la escena musical chilena, los fondos concursables, los proyectos audiovisuales y las chicas como motor de inspiración, escuché por primera vez completo su último proyecto, “Transubhiriano” (2007), un disco doble (¡de hermoso diseño!), en que su trabajo se acerca al trance musical y la meditación bailable, por llamarlo de alguna manera.

Ves
332 (en vivo)

Track 1 – Disco "Gira" del Transubhitiano (2007)

El disco A, subtitulado “Gira” se vale de temas larguísimos que incorporan gratamente la percusión y el sonido electrónico. En “332” lucen los accesorios y el juego vocal de Joe Vasconcellos, en una intensidad interpretativa desconocida en sus propias canciones; en “Desiertrance” escuchamos la quena y el quenacho a cargo de Patricio Quilodrán; la voz de Sol Aravena vuelve a sonar familiar en “Estación Impar”; y Joe regresa a su esencia, la percusión, en “Afrika”. El disco B se llama “Trip”, una experiencia extraña al comienzo, pero de fácil "absorción": se trata de bases rítmicas tecnos que evocan a la Love Parade, la Siegessäule y la Alameda repleta de gente bailando, todo combinado con sonidos étnicos africanos o americanos. Buenísimo. El final de “Santag”, con el contrapunto vocal de Sol y Joe jugando con una melodía que recuerda al “qué dirá el santo padre que vive en Roma” de Violeta Parra, es genial. En “Teoafrikano” incluso asoma un violín y juegos vocales estilo klezmer.

“Transubhiriano, Gira-Trip” es toda una sorpresa para los acostumbrados al sonido reposado de sus 3 discos como Subhira, pero que demuestran que estamos frente a uno de los músicos más talentosos de la actualidad. Espero (y trabajo en mi aporte) una pronta presencia de su trabajo en el cine.

por Denis Leyton

más información en
Sitio oficial de Subhira
Subhira en MySpace
MySpace de Transubhriano
Sitio del sello Mundovivo
Club de fans en Facebook
Subhiramusic Youtube

 

comparte este artículo

del.icio.us Google BookmarksAgregar esta página a Mister WongYahoo! My Web Votar


.
.
.

 Subhira |  Rodrigo Cepeda |  Mundovivo |  Transubhiriano
.
.
.

 

*

Las chicas me cantan en FRANCÉS. Capítulo 3/3

Olivia Ruiz, Mélanie Pain y Marina Celeste.

foto de Olivia Ruiz OLIVIA RUIZ: Si tuviera que hacer un ejercicio de comparación, diría que ella es como la Julieta Venegas de Francia, porque es inquieta, porque el arreglo de la canción siempre busca algo más, algo que rompa la línea típica de la canción pop, por más simpleza que exista en ella. Y su forma de encarar la composición me agrada totalmente, porque comienza desde la letra, buscando que los arreglos tengan relación con ese contenido (no como algunos para los que la voz es sólo un sonido más). Aparte de cantar, toca saxo, clarinete y trompeta, y como otras compatriotas suyas, Olivia Blanc (su verdadero nombre) incorpora sus estudios teatrales a su puesta en escena musical. De origen español, muchas de sus canciones tienen ese encanto típico francés que aporta la letra irónica (la escuela de Georges Brassens), el sonido a varieté del acordeón y el piano, y la base circense. Y es definitivamente guapísima. ¿Mis canciones preferidas?: “Le tango de qui” (El tango de quién); “La femme chocolat (La mujer chocolate)”; y “Thérapie de groupe (Terapia de grupo)”. Discos: “Paris” (Single-2002); “J’aime pas l’amour (No me gusta el amor)” (2003); “La Femme Chocolat (La mujer chocolate)” (2005).

Ves
LA FEMME CHOCOLAT

La femme chocolat (track 2)



foto de Mélanie PainMÉLANIE PAIN: Con mucho inglés en su repertorio, estamos frente a una de las voces más dulces de Francia y colaboradora insigne de ese genial experimento musical llamado “Nouvele Vague”, al igual que otra de las chicas citadas aquí: Camille. Esta chica proveniente del sur, Aix-en-Provence, y estudiante de Ciencias Políticas, no tiene disco propio, pero su nombre es tan significativo como el de las más renombradas solistas galas. Es que se trata de algo así como una musa cuya voz todos quieren incluir en sus trabajos, como lo hiciera el músico Benoît Villeneuve (“Villeneuve”). ¿Mis canciones preferidas?: “La Cigarette” (El cigarillo), “Peut etre pas” y “Blue Monday” (con Nouvelle Vague). Discos (colaboraciones): Coros en “Dead Cities, Red Seas & Lost Ghosts (M83, 2003); “Nouvelle Vague I” (con Nouvelle Vague, 2004); “First Date” (Villeneuve, 2005); “Bande a Part” (con Nouvelle Vague, 2006); “Graceland” (Villeneuve-EP, 2007).

Ves
LOVE WILL TEAR US APART, de Joy Division (con Nouvelle Vague)

Nouvelle Vague I (track 1)



foto de Marina CelesteMARINA CELESTE: Otra de las chicas Nouvelle Vague, junto a Camille y Mélanie Pain, banda para la que colaboró en sus dos emblemáticos discos, destacando la hermosa versión que en el primero de ellos hace de “A forest”, de The Cure. Paralelamente a la música, desarrolla la pintura y trabajos para niños, como “Astral fairlyland”, un proyecto de música e ilustraciones en donde "Elsa y Sacha, acompañados de un perro y un ratón, deben descifrar los secretos guardados en cada una de las casas de este lugar imaginario". Esta cantautora de ojos hermosos está muy ligada a los proyectos de Marc Collin, cerebro de Nouvelle Vague, con quien realizó el proyecto “Cinema Enchanté”, un tributo a las canciones del cine francés de los ’60. ¿Mis canciones preferidas?: “Les fleurs (las flores son sexos apenas disfrazados con trajes de princesa; todo el mundo finje ignorar...)”; “Pas vu pas pris” y “A forest (con Nouvelle Vague)”. Discos: “Acidulé (Ácido)” (2005); y “Cinema Enchanté (Cine Encantado)” (2007).

Ves
LES FLEURS

Acidulé (track 3)

por Denis Leyton

más información en
Le site officiel d’ Olivia Ruiz
Myspace (non officiel) des fans d’Olivia Ruiz
Sitio MySpace de Mélanie Pain
Sitio Oficial de Marina Celeste
Sitio MySpace de Marina Celeste
Sitio Web Oficial de Nouvelle Vague


comparte este artículo

del.icio.us Add to Technorati Favorites Add To Google BookmarksAgregar esta página a Mister Wong Yahoo! My Web Votar


.
.
.
| |
.
.
.
.

*

TILL BRÖNNER, trompetista de jazz

Till Brönner, Jazz, Trompeta.

foto de Till Brönner El sonido de la trompeta de TILL BRÖNNER lo escuché por primera vez hace sólo un par de años en la película del bávaro Achim von Borries “Was Nützt Die Liebe in Gedanken” (¿De qué sirve el amor en pensamientos? - 2004), una hermosa joya del cine alemán del siglo 21.

Ambientada en el Berlín post Primera Guerra Mundial, la banda sonora incluye dos interpretaciones de Brönner, “Bbq Stomp” y “Billy ’s Trip”. En la primera, la trompeta sabe a años locos, a monofónico. Su sonido de verdad nos transporta a los años ’30, a la Friedrichstrasse esquina Leipziger, ahí al interior mismo del salón “Moka Efti" en Berlin-Mitte para bailar swing con Jana Pallaske y Anna Maria Mühe (una de mis actrices favoritas). Fue el punto inicial para empezar la pesquisa de su música, la que me llevó a encontrar algunos CDs de una discografía de más de diez discos que incluyen colaboraciones (Mark Murphy, Thomas Quasthoff), música para documentales (“Höllentour”, “Jazz Seen”) y sus propias producciones, de las que destaco tres: “Blue Eyed Soul”, “That Summer” y “Oceana”.

Escuchas
BBQ STOMP

track 3 (OST-Was Nützt Die Liebe in Gedanken)




carátula del álbum Blue Eyed Soul (2002)Nacido hace 36 años en Viersen, ciudad que limita con Países Bajos (Holanda) y cercana a Düsseldorf, Till Brönner (se escribe también TILL BROENNER) estudio Jazztrompete en la Escuela Superior de Música de Colonia, influenciado por la música del gran birdy, el saxofonista Charlie Parker.

Como todo jazzista contemporáneo, se mueve sin culpas entre el viejo swing y la experimentación, pasando por todas las estaciones intermedias. “Blue eyed soul” (2002) es un disco divertido, donde la trompeta pareciera investigar qué tal suena entre los sonidos de la noche y la ciudad, con bases hiphoperas y mucho soul.


carátula del álbum That Summer (2004)“That summer” en cambio, es melancólico y melódico. Además marca el fin de sus experimentaciones vocales, para entrar de lleno al campo de los solistas. “Bein’ Green” y “High Falls”, entre otras, abandonan momentáneamente la trompeta con unas bases muy de salón de hotel 5 estrellas, de bosanova estilo Frank Sinatra. Su voz es muy simple, por lo que la música debería ser más jugada. Sin embargo, eso aparece en “After hours”, con una voz mejor impostada y la trompeta muy presente. Incluso, con los versos de la letra insertos correctamente en la melodía. En otras canciones da la sensación de que la pronunciación inglesa del alemán no es del todo correcta, pero es por la excesiva extensión de los versos.

Escuchas
AFTER HOURS

track 8 (That Summer)




carátula del álbum Oceana (2006)“Oceana”, su última producción, es un disco realmente recomendable que, desde el inicio con “Bumpin ’ " me hace construir imágenes de un salón nocturno, humo con un contraluz azuloso, vasos de whisky y una mejilla suave y cálida apoyada a la mía, de un cuerpo de mujer que baila apretado al mío, como a las tres de la mañana, esperando esa mirada que dice “vamos” sin palabras, para entregarse a una pasión algo alcoholizada, risueña y cómplice, definitivamente muy cómplice. La sensación se repite en “Love Theme From Chinatown”, donde la melancolía no es el canto a la tristeza, sino más bien a la embriaguez del amor. Suena algo al soundtrack de “Taxi Driver”, de Bernard Herrmann. Luego vienen las colaboraciones, como “In my secret life” donde irrumpe con la misma suavidad y la misma actitud de siempre, la de me importa un bledo lo que digan de mí, la siempre hermosa y talentosa CARLA BRUNI , que sin su guitarra suena algo extraña, digámoslo. En “Pra dizer adeus” se hace acompañar de la paulista LUCIANA SOUZA, en un bossa que desgarra por lo bello, por las notas altas y hermosas de la brasileña y la trompeta de Brönner que pareciera haber esperado por siempre el interludio de esta canción. En “I’m So Lonesome I Could Cry” el turno es de la francesa-estadounidense MADELEINE PEYROUX, en otro punto alto del álbum. Y claro, también vuelve a cantar. Es que después de tantos años como que la trompeta pareciera aburrirle un poco. Pero si es por escuchar “River man”, vale la pena absolutamente. “Oceana” es un disco verdaderamente bello.

Escuchas
PRA DIZER ADEUS

track 7 - con Luciana Souza (Oceana)




foto de Till BrönnerFinalmente, más palabras para mi teoría acerca del complejo europeo. Si la lengua germana funciona tan bien en la ópera, por ejemplo, ¿no funcionará igual de bien en el jazz, como sí lo hace el portugués y el español? ¿Deseos de internacionalización? (no seamos hipócritas y no le llamemos más así a la estadounidensiación de las carreras). Sí, bien, perfecto, ¿por qué no? Pero, ¿no podría ser un poco mezclado el asunto, digo yo?

Es Till Brönner, compositor, ahora cantante, pinta de modelo, jazzstar y maestro de la trompeta, acercándose, pero sin conseguirlo aún, al talento de Cuturrufo.

Ves
RIVER MAN

track 9 (Oceana)

por Denis Leyton

más información en
Sitio oficial de Till Brönner
Till Brönner en MySpace


comparte este artículo

del.icio.us Add to Technorati Favorites Add To Google BookmarksAgregar esta página a Mister Wong Yahoo! My Web Votar


.
.
.
|
.
.
.

*


¿Y esta publicidad? Puedes eliminarla si quieres

Las chicas me cantan en FRANCÉS. Capítulo 2/3

Amélie-les-Crayons, Ariane Moffatt, Coralie Clément y Jeanne Cherhal.

foto de Amélie-les-Crayons AMÉLIE-LES-CRAYONS: Es curioso. Para algunos Amélie es una artista con nombre raro: Amélie-los-Lápices. Y la presentan como Mademoiselle Crayons. Para otros es Amélie y Los Lápices, como agrupación. Lo cierto es que su música es notable, sea cual sea la fórmula. La base del trío masculino es clave: Laurent en el contrabajo; Heiko en piano, clarinete y tuba; y Michel en el acordeón.

Proveniente de Lyon, allí junto al Ródano y el Saona, Amélie estudió teatro y trabajó en espectáculos callejeros, trasladando toda esa fuerza expresiva a la música y sus letras, como en “Mon docteur”, donde una paciente tiene fantasías con un médico casado (pero el instante que yo prefiero/es cuando me hace pasar atrás/para desvestirme/… /Mi doctor es bello/frota su estetoscopio bajo mi blusa…), y en la que no canta… actúa. Ahí es donde entran los chicos para dialogar y jugar con sus instrumentos, con aires a circo, a bodeville, a cabaret… a espectáculo teatral. ¿Mis canciones preferidas?: “Mon docteur” (Mi doctor); “Frère de casserole (Hermano de cacerola)”; “La garde-robe d’Elizabeth (El Ropero de Isabel)”; “Petit caillou (Pequeña piedra)” y “En mission (en misión)”. Discos: “Le chant des coquelicots (El canto de las amapolas)” (2002); “Et pourquoi les crayons? (¿Y por qué «Los Lápices»?)” (2004). DVD: “Le tour de la question (La gira de la pregunta)” (2006).

 Amélie-les-crayons

Ves
LA GARDE ROBE D’ELIZABETH

Et pourquoi les crayons (track 4)


foto de Ariane MoffattARIANE MOFFATT: La primera voz femenina de esta selección proveniente de la República Independiente de Québec, en Canadá. Ariane ha creado un estilo que mezcla la canción convencional con la música electrónica. Compone y canta bien, sin embargo no todas sus canciones logran el mismo efecto. La influencia rítmica de la electrónica de los ’90 (insoportable y tediosa) se hace notar sobretodo en su primer “long play”.

En el segundo corrigió el defecto, y sumó mejores canciones. Su presentación en el Teatro Oriente de Santiago que no pude ver (así como la de Drexler en el Caupolicán), será una espina que llevaré clavada todo el año. ¿Mis canciones preferidas?: “Hasard (Azar)”, “Combustion Lente (Combustión lenta)” y “Montréal”. Discos: “Aquanaute (Hombre Rana)” (2002); “à la station C (A la estación C)” (mayo-2005); y “Le coeur dans a tête (El corazón en la cabeza)” (noviembre-2005).

 Ariane Moffatt

Ves
MONTRÉAL

Le coeur dans a tête (track 3)


foto de Coralie ClémentCORALIE CLÉMENT: Sensuales susurros, es la primera descripción que se me ocurre escribir. Cuando escucho canciones como “L’ombre Et La Lumière“ o “Ca Valait La Peine (Esto valía la pena)”, me siento absolutamente transportado al imaginario cultural francés. Un detalle: Coralie, nacida en Villefranche-sur-Saône, cerca de Lyon, es hermana del cerebro de la nouvelle chanson française, Benjamin Biolay, quien compuso canciones para sus dos discos. Todo un plus; casi una trampa.

Pero Coralie (¿dije que es guapísima?) ha sabido hacer suyas estas canciones, haciendo que esto parezca una gran dupla creativa, más que un aprovechamiento de la fama de su hermano. El segundo disco intenta alejarse un poco de lo francés (otra señal más de lo que llamo el complejo europeo), pero por suerte no les resulta del todo. ¿Mis canciones preferidas?: “L’ombre Et La Lumière (La sombra y la luz)”; “L’enfer (El infierno)”; e “Indécise (Indecisa)”. Discos: “Salle Des Pas Perdus (Sala de pasos perdidos)” (2001); y “Bye bye beauté (Bye Bye belleza)” (2005).

 Coralie Clément

Ves
L’OMBRE ET LA LUMIÈRE

L’ombre Et La Lumière (track 2)


foto de Jeanne CherhalJEANNE CHERHAL: Si te enfrentas a “Madame Suzie”, creerás que estás frente a una pieza de una comedia musical; al extracto o un pasaje de un espectáculo teatral. Si sólo la escuchas, te la imaginas haciendo gestos expresionistas y actuando cada parte de la letra. Así es Jeanne Cherhal, oriunda de Nantes, actriz, pianista, bajista… divertida. No son dramones los que interpreta en sus canciones-teatrales. Más bien son pequeñas historias llenas de humor negro, una especie de heredera musical de Molière.

En “L’eau”, sin embargo, abarca definitivamente la canción con arreglos y expresiones más formales, como si volviendo a casa tras actuar en una obra, quisiera cantar canciones normales para relajarse. Es la reinvención que un artista de verdad siempre hace. Sin duda, una actriz como ella suena mejor cuando canta en vivo, en las tablas de un escenario. Creo que el estudio la enfría. ¿Mis canciones preferidas?: “Madame Suzie” (La Señora Suzie); “Une tonne” (Una tonelada); "Le petit voisin (El pequeño vecino)"y “L’eau” (El agua). Discos: “Jeanne Cherhal” (2002-en vivo); “Douze fois par an (Doce veces al año)” (2004); “L’eau (El agua)” (2006).

 Jeanne Cherhal

Ves
LE PETIT VOISIN

Douze fois par an (track 5)

por Denis Leyton

más información en
Sitio Web Oficial de Amélie-les-Crayons
Sitio Web Oficial de Ariane Moffatt
Sitio Oficial de Coralie Clément
Sitio No-Oficial de Coralie Clément
Coralie Clément MySpace
Sitio Web Oficial de Jeanne Cherhal
Jeanne Cherhal en MySpace (no oficial)


comparte este artículo

del.icio.us Add to Technorati Favorites Add To Google BookmarksAgregar esta página a Mister Wong Yahoo! My Web Votar


.
.
.
.

*

Las chicas me cantan en FRANCÉS. Capítulo 1/3

Camille, Charlotte Gainsbourg, Anaïs y Emilie Simon

foto de Camille CAMILLE: Esta niña mala es todo un estandarte de la nueva canción francesa. Aunque posee una voz muy hermosa, no escatima recursos en experimentar con ella. Es que no es la belleza su objetivo, sino la exploración de nuevas fórmulas expresivas.

Conocida por sus colaboraciones con la banda de covers Nouvelle Vague, esta parisiense dueña de una propuesta artística original y atrevida, tanto en composición, ejecución y puesta escena, se influenció desde muy pequeña con la música al presenciar un concierto que Ray Charles dio en el anfiteatro romano de Nimes. Dejando atrás su diploma en Ciencias Políticas, hoy maravilla a todos pintándose sobre el escenario, haciendo sonidos guturales o componiendo todas las canciones de su último CD bajo la nota SI (B). Es lo más audaz que he escuchado y visto en muchos años, quizás después de Laurie Anderson en los años ’80. ¿Mis canciones preferidas?: de su primera etapa, “Mon Petit Vieux” (Mi Viejito); de la nuevas, “Ta Douleur” (Tu Dolor); y “Au Port” (Al Puerto). Discos: “Le Sac de Filles (La cartera de las chicas)” (2003); “Le Fil (El Hilo)” (2005); “Live au Trianon (En vivo en el Teatro Trianon)” (2006).

Ves
AU PORT

Le Fil (track 11)



foto de Charlotte GainsbourgCHARLOTTE GAINSBOURG: Su carrera se divide entre la música y la actuación, siguiendo los pasos de su hermosa madre Jane Birkin. El rostro de esta chica nacida en Londres en 1971 se nos hará más familiar cuando próximamente la veamos como pareja de Gael García en “LA CIENCIA DEL SUEÑO”, de Michel Gondry (Eterno resplandor de una mente sin recuerdos), continuando con una filmografía que cuenta, entre otras, con “21 Gramos”.

Musicalmente, a CHARLOTTE me la presentó mi compañero de películas, música y de vida Claudio Hunrikse a través de su último álbum, uno de volumen bajito, lleno de atmósferas relajantes, donde la mitad de las canciones es en inglés. ¿Mis canciones preferidas?: “The songs that we sing” (Las canciones que cantamos), “Everything I cannot see” (Todo lo que no puedo ver) y “5:55”. Discos: “Charlotte Forever (Charlotte por siempre)” (1986); “5:55” (2006).

Ves
5:55

5:55 (track 1)



foto de AnaïsANAÏS: Nacida en Grenoble y criada en Marsella, ANAÏS se presenta ante nuestros oídos traviesa y divertida, una verdadera rupturista. Con un solo disco a cuestas que fue grabado en vivo y al que ha sacado un partido impresionante, esta chica se acompaña solo de su guitarra, un sampler y un histrionismo muy particular que a veces la convierte en una especie de Liza Minelli acústica.

También dada a los sonidos guturales y a otros ruidos corporales como el de la explosión de labios -como lo hace Camille-, equilibra su simpleza musical con un importante acento en los contenidos. ¿Mis canciones preferidas?: “Bad blues player” (Mal blusero); “Mon coeur mon amour” (Mi corazón, Mi amor); y “Rap Collectif” (Rap Colectivo). Discos: “The Cheap Show (El show barato)” (2006).

Ves
Mon coeur mon amour

The Cheap Show (track 2)



foto de Emilie SimonEMILIE SIMON: La primera impresión que tienes cuando escuchas a esta cantante y compositora es que se trata de la heredera de Vanessa Paradis. Es que es imposible no hacer la relación ante esa susurrada voz de niñita. Lo de EMILIE es la balada, mmm, llamémosla atmosférica, con bases rítmicas y arreglos que denotan una acertada evolución de la música electrónica, aunque a veces su repertorio se torne algo plano.

Esta atractiva mujer que bordea los treinta años, nacida en la sureña Montpellier y con repertorio bilingüe, fue conocida mundialmente por haber sido la encargada de componer la Banda Sonora del docuficción de Luc Jacquet “La Marcha de los Pingüinos”, unos de los puntos altos de dicha película. ¿Mis canciones preferidas?: “Fleur de saison” (Flor de temporada); “Rose hybride de thé” (Rosa híbrida de té); y “Swiming” (Natación). Discos: “Emilie Simon” (2003); “La Marche de l’empereur (La marcha de los pingüinos)” (2005); “Végétal” (2006).

Ves
Fleur de saison

Végétal (track 2)

por Denis Leyton

más información en
Sitio Web Oficial de Camille
Charlotte Gainsbourg 5:55
Charlotte Gainsbourg cine y música
Charlotte Gainsbourg en MySpace
Anaïs In Your Face
Sitio Web Oficial de Emilie Simon
Emilie Simon en MySpace 1
Emilie Simon en MySpace 2


comparte este artículo

del.icio.us Add to Technorati Favorites Add To Google BookmarksAgregar esta página a Mister Wong Yahoo! My Web Votar


.
.
.
| | | |
.
.

*

JAMIE CULLUM o jazz: ¿música para las masas?

Artículo sobre el múisco británico Jamie Cullum

foto de Jamie Cullum JAMIE CULLUM es un músico británico nacido en Essex hace 26 años. ¿Cuál es la gracia? Que ya a los 23 no sólo era reconocido como el más popular exponente del jazz británico y europeo.

Después de haber producido un disco independiente del cual vendía copias en sus presentaciones en bares y pubs, fue contratado por una transnacional a cambio de €1.400.000.000 para ser invertidos en sus producciones por los próximos 5 años. Sin embargo, lo más importante no son los números ni la cantidad de premios que ha conseguido. Es que, además de su talento innato, Jamie Cullum es un tipo al que le gusta la música en general, amante del rock, de la indie, del pop, el blues y la electrónica. Sin embargo, es en el jazz donde siente que puede reunir todos los estilos en uno solo. Y eso se nota.

En su repertorio, además de las composiciones que realiza junto a su hermano Ben Cullum, incorpora clásicos del jazz de todos los tiempos, como una que me gusta mucho: “You and the night and the music”, compuesta por Howard Dietz y Arthur Schwartz en 1934 y que escuché por primera vez (hasta donde me acuerdo) en la versión que Frank Sinatra hizo en 1961 en su álbum “Ring a Ding Ding”. Cullum la incluyó en su disco “Pointless Nostalgic” en 2002 y suena totalmente actual.

foto de Jamie Cullum tocando en vivo Del mismo modo, y al igual que Jorge Drexler en “12 Segundos de Oscuridad” (2006), Cullum tomó “High and Dry” de Radiohead para hacer su propia versión. Es este repertorio que se pasea sin complejos por distintas edades de la música contemporánea, además de su voz, su actitud de artista pop y su habilidad en el piano, lo que ha permitido que toda Inglaterra esté cantando swing, acercando el jazz a terrícolas de todas las generaciones.

La mejor definición que he leído sobre este artista con sangre de Myanmar en las venas, es la de Diego Fischerman para Página/12: “Canta y compone canciones que podrían esperarse de sus abuelos. Y vende en pocos meses más que Enrique Iglesias, Britney Spears o Kylie Minogue en todo un año”.

Ves
GET YOUR WAY

Catching Tales (track 1)

Dinner at eight, that sounds fine,
I suppose that means you’ll turn up round nine.
Bought a bunch of flowers, just for her,
She says the burden’s on the receiver.

I opened the door and you walked in,
(Sniff) The scent of wild jasmine.
The room, seemed to freeze in time,
My regular table will be just fine.

Radiant and elegant, you might be
But your concentration is so go-lightly
Both of your eyes reflecting the moon,
You really think you own the room.

So What Game Shall We Play Today?
How About The One Where You Don’t Get Your Way?
But Even If You Do,
That’s Okay.
So What Game Shall We Play Today?
How About The One Where You Don’t Get Your Way?
But Even If You Do,
That’s Okay.

Try to pick it up, reading the signs,
It’s turning out to be a real good time,
And who’d have thought that entertainment,
Lies in the winter of your discontent.

Now, sit at the table, face to face,
Queen takes pawn, check or checkmate!
I feel your foot brush against my leg,
I’m not that easily led.

You flutter your eyes and you toss your hair,
I have to say that it is kind of unfair,
Let me tell you baby now what’s in store,
You win the battle, but I’ll win the war!

So What Game Shall We Play Today?
How About The One Where You Don’t Get Your Way?
But Even If You Do,
That’s Okay.
So What Game Shall We Play Today?
How About The One Where You Don’t Get Your Way?
But Even If You Do,
That’s Okay.

This has been fun, I suppose,
Although my feelings are all juxtaposed,
But truth be told, I’m as fickle as hell,
But gentlemen never kiss and tell!

So What Game Shall We Play Today?
How About The One Where You Don’t Get Your Way?
But Even If You Do,
That’s Okay.
So What Game Shall We Play Today?
How About The One Where You Don’t Get Your Way?
But Even If You Do,
That’s Okay.


caràtula de tres discos: Pointless Nostalgic, Twentysomething y Catching TalesSu primer CD se llama “Jamie Cullum Trio-Heard it all before” (1999) y cuesta mucho encontrarlo, puesto que fue una edición limitada autofinanciada por su autor. Luego siguió “Pointless Nostalgic” (2002), que le abrió las puertas de la industria y que incluye “I can’t get started”, una canción que parece no aburrirse de ser escuchada y que no piensa dejar de tener versiones; “Twentysomething” (2003), donde la versión que hace para “Singin’ in the Rain” es sencillamente atrevida. Ese CD batió todos los records de venta de Gran Bretaña para una producción de jazz; y “Catching Tales” (2005), quizás el menos jazzístico, pero el que incorpora más “elementos” de la música sincopada en canciones abiertamente pop como “Get your way” y “London Skies”. De este CD destaco el track 5 “Nothing I Do”.

Escuchas
NOTHING I DO

Catching Tales (track 5)



We were so drunk last night,
We had that stupid fight,
You called me a useless selfish prick,
So I’m in a fix right now,
And we’ll measure the truth somehow,
love is a funny thing to me,

then you stormed out and grabbed your coat,
while slamming shut the door,
a ruthless move so cold you left your keys inside the door Oh...

Can Nothing i do make you happy anymore,
nothin’ i say put a smile onto your face,
can nothing i say bring us back together,
nothing i do put a smile onto your face.

Well Okay..

Next day i called you back,
and you called me a stupid twat,
and then you were crying on the phone,
you sounded so upset, you said,
i wasn’t the man you’d met
3 years and 7 months ago

i pleaded with her take me back,
i’ll change my sorry ways
so tell me why mysteriously im annoyed instead of shamed
Ohhh

Can Nothing i do make you happy anymore,
Can nothin’ i say put a smile onto your face
nothing i do bring us back together
nothing i say put a smile onto your face

MMmmmm, Yeahhh

Im pondering it all after that call
i think it is clear
i am here, you’re from another stratosphere
Oh, now all the things she said they went around my head
and come out my ear,
and not before long,
this stubborn soul thinks he’s done no wrong.

(Instrumental)

As when the questions flutter ’round my head like butterflies,
my head spins at reflecting on another love’s demise, Ohhhh

Can Nothing i do make you happy anymore,
nothin’ i say put a smile onto your face
can nothing i do bring us back together
nothing i say put a smile onto your face, Ohhh

All together now... ah 1,2,3...


Hay mucho más que hablar de él. Muchas colaboraciones, shows, composiciones para musicales, su historia familiar (su mamá en la voz, su padre en la guitarra y su abuelo en el saxo, formaban un trío que tocaba en bares canciones de The Beatles y Burt Bacharach, entre otros). Es Jamie Cullum, un exponente del ¿jazz-pop?, que en septiembre pasado cantó en el Luna Park de Buenos Aires y en 5 ciudades de Brasil. Por supuesto, la prensa “especializada” y los productores de espectáculos de Chile lo ignoraron.

por Denis Leyton

Más información en
JamieCullum.com sitio oficial .com
Jamie Cullum inofficial german fan site
Jamie Cullum en Trig.com (Beta)
Jamie Cullum en MySpace

comparte este artículo

del.icio.us Add to Technorati Favorites Add To Google BookmarksAgregar esta página a Mister Wong Yahoo! My Web Votar


.
.
.
| | | |
.
.
.

*

¿Y esta publicidad? Puedes eliminarla si quieres