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Tiempo, Oscar Andrade (1982)

Artículo sobre el álbum "Tiempo" de Oscar Andrade. ¡Qué emoción!... mmm... ¡Atención!

foto de la carátula del álbum TIEMPO Hasta el verano de 1982, el autor de este álbum era un músico al que sólo había visto un par de veces en televisión y del que reconocía por lo menos tres canciones: "Reencarnación", una hermosa composición que sacó el segundo lugar en "Chilenazo", un programa de canciones folclóricas del canal de la Universidad de Chile (hoy esa estación es privada, se llama Chilevisión y se especializa en farándula). Esta canción "folclórica" había llamado mi atención de infante por ser tan distinta de lo que enseñaban en el colegio, como "cantarito de greda de Peñaflor, tu agüita es clara y pura como mi amor" o "Chile, Chile lindo, lindo como un sol, aquí mismito te dejo, hecho un copihue mi corazón". Profundo. Aquí Óscar Andrade recurre a un diálogo con los hombres originarios, homenajeándolos y rescatando su legado cultural para las nuevas generaciones ("y el silencio ha juzgado / tu destino en mi historia / que su origen cambió / por el modernismo oculto / ¿Dónde estás tú / hombre del sur? / y en tu viaje por mi siglo / te has cansado de tratar / que tu moderna versión / no olvide a su original"). Con los años descubrí además que "Reencarnación" incluía armonías y acordes despreciados por un folclor tradicional que no escapa aún a sus simples estructuras, algo que se encargó de romper Violeta Parra, la rockera del folclor, y que huasos de espuelas de plata y trajes millonarios se esmeran en ignorar.

La segunda era todo lo contrario: una adaptación en español de una canción que ya había escuchado en la radio y visto en "The Midnight Special" y "Solid Gold". Se trataba de "Canción Lógica (The Logical Song)" de Super Tramp, que nunca formaría parte de ninguno de los futuros discos de Andrade, con aquellos primeros versos que aún suenan en mi cabeza: "Joven aún mi vida se presentaba ya / fantástica / oh, magnífica, mágica"... "La verdad que corre tras de mí..." o algo así.

foto de Oscar Andrade en vivoFinalmente, la tercera canción sí había logrado ganar el mencionado "Chilenazo", transformándose ya en un llamado de atención para mi precoz cabeza crítica de 11 años, siendo quizás la obra que despertó no sólo mi interés musical y artístico, sino además las alarmas de que el mundo era algo más que los metros cuadrados de la casa, del calorcito hogareño y los amigos del barrio. "Noticiero Crónico" fue la primera "canción con contenido" que escuché en mi vida. Por tratarse del "informativo más completo que haya llegado hasta su casa", su letra estaba cargada de coyunturas y hechos que yo ya podía reconocer, como el atentado a Juan Pablo II, palabras como "terrorista" o frases del estilo "alza del pan". Además descubría por primera vez (o era primera vez que un artista lo hacía con gracia), la potencia de la ironía como medio expresivo ("Por un gol a cero se ha vencido / al alza del pan y otras medidas / que incrementarán el desarrollo / de una creciente economía / ¡qué eficaz! / mmm... / ejemplar"). Se trataba de una canción que empezaba a sonar en las radios en medio de baladas insoportables, con un ritmo "distinto", un sonido extraño y una forma claramente inusual, el relato cantado bajo la figura de un informativo de televisión.


Festival del Viña del Mar de 1982: el descubrimiento

Todo eso rondaba de manera desordenada en mi cabeza para comienzos del verano de 1982, hasta la noche en que esperaba ver en el Festival de Viña del Mar quiénes eran los que cantaban "De do do do, De da da da". Pero de pronto me encontré con Óscar Andrade bajo la concha acústica como parte del show... y el caset regalado por mi hermano mayor dispuesto para The Police (¡mi primer caset!), vio soltar la pausa del deck para inmortalizarlo y dejar su música grabada para siempre en mi mente, como si de un tatuaje sonoro se tratara.

No recuerdo detalles como cuántas canciones tocó o el orden de las mismas, pero sí tengo presentes algunas cosas que me marcaron. Por ejemplo, era la primera vez que vi a un joven músico pop mencionar el nombre "Violeta Parra" con soltura, sin la vergüenza que muchos compatriotas denotan ante expresiones folclóricas, y despachándose una canción que yo conocía, "Casamiento de negros", en una versión en extremo potente, con batería y punteo de guitarra eléctrica incluidos... ¿a qué jugaban las profesoras del colegio que no nos mostraban esto?

Ves
NOTICIERO CRÓNICO

Track 6 – Tiempo

A continuación le ofreceremos
las noticias frescas emanadas
del informativo más completo
que haya llegado hasta su casa
¡qué emoción!... mmm... ¡atención!

Por un gol a cero se ha vencido
al alza del pan y otras medidas
que incrementarán el desarrollo
de una creciente economía
¡qué eficazzzzzzz!... mmm... ejemplar.

Más de cien personas fueron muertas
y otras tantas sólo mutiladas
por un terrorista que gritaba
que sus ideales aportaban...
¡oh, perdón!... mmm... comercial.

¡Urgente nos llega desde el cable
que en Roma fue herido el Santo Padre!
por quererle dar unas migajas
de amor y bondad a nuestra raza
¿no hay por dios... mmm... comprensión?

Mientras que en oriente y occidente
viven de las guerras y muy decentes,
Desde algunas partes se ha informado
que allí sólo el hambre ha progresado
¡no hay razón!... mmm... no hay amor...

Hoy les hablaré poco del tiempo
pues ha sido regio esta semana
disfrutarán de un sol radiante
fue un gran placer y hasta mañana
hasta mañana.


Con sólo once años descubrí que esa barrera que algunos ponen entre los géneros es sólo una forma de dividir la música. Lo confirmé años más tarde con Los Jaivas, luego con Joe Vasconcellos, con Charly cantando a dúo con la negra Soza, con Subhira y con Norah Jones, entre tantos otros: la fusión no es sólo una palabra aplicable al jazz. Es una herramienta para la libertad creativa. Me gustó también su actitud escénica que parecía mezclar un nerviosismo sin intención de ser ocultado, con una seguridad evidente en su repertorio; una voz más bien aguda, pero sumamente agradable y potente; y una ironía que empezaba a identificarme profundamente. No en vano de niño me gustaron las películas de Peter Sellers y Woody Allen.

foto de Oscar Andrade en el festival de Viña del Mar ’82Si todas sus canciones me resultaban raras, pero sorprendentes, "Pan y Circo" resultó ser la amalgama perfecta de sonidos nuevos con crítica directa y atrevida, en este caso a aquellos que sólo se mueven por dinero, siempre de la mano del sarcasmo como un recurso que empezaba a ser recurrente ("hoy no quiero ser la historia / prefiero ser la parte más alta del gran circo de la fama y luz / crear de acuerdo al rating / cantar lo que es de moda y falsa inspiración / mira que todo es bueno, total si es por dinero, ¿qué más da?").

Pero Óscar Andrade no sólo se transformó en el mejor compositor e intérprete que haya "apreciado" jamás (Fernando Ubiergo era lo más cercano, pero no tenía ni la fuerza ni la chispa que descubrí esa noche). Es que el talquino también pasó a ser un excelente medio para validar el repertorio de otros artistas cuestionados sólo por su cara externa. Vestido de chaqueta y sin separarse de su guitarra electroacústica tipo ovation (yo ya quería tener una así), anunció que cantaría una canción de ¡Florcita Motuda!, un "loco" que se mostró al mundo con traje plástico y gafas de buceo, y que revolucionó a la conservadora sociedad chilena cantando "Pobrecito mortal si quieres ver menos televisión, descubrirás que aburrido estarás por la tarde" en el Teatro Municipal de Santiago. La verdad es que yo ya estaba en éxtasis.

foto de Florcita MotudaMe caía increíblemente bien Florcita, pero todo el mundo lo tildaba de loco y su obra aún no era del todo valorada (todavía muchos sólo lo ven como un excéntrico y no como el maestro que es). "Pronto Amanecerá", una de las canciones más bellas compuestas por el Flor, pero menos conocidas y también participante del mencionado "Chilenazo", se transformó en un himno gracias a la voz de Óscar Andrade ("yo soy joven y tengo mucho miedo a la muerte / ninguna ideología me ofrece respuestas / me entorpece el pasado, el presente, el futuro / angustiándome de más / Tengo miedo, yo le confesé / ¿A qué temes?, él me preguntó / Tengo miedo que el último día me encuentre temblando / temblando de miedo a la muerte, lo sé / lo sé, lo sé / Cuando el sol se paga en el mar / pensarás que el sol se ha muerto / Pero aunque no lo veas tú / tras la tierra está viviendo").

Esa noche el cantautor se llevó todos los premios y los gritos de las chicas; y yo finalmente entendí que "Noticiero Crónico" había ganado el concurso de canciones folclóricas de TV porque se trataba de un trote nortino, pero no evidente. En su versión actual, Andrade nuevamente juega y transforma las letras con total acierto, marcando una diferencia entre la imagen "bondadosa" del polaco Wojtyla y el nuevo regente bávaro del Vaticano: "Urgente nos llega desde el cable / que la Europa tiene un Santo Padre / para dar no más que unas migajas / de toda la verdad a nuestra raza / no hay con dios... mmm... comprensión". Notable. Igual vi a The Police después. Como dije, tenía 11 años y nunca la música me había interesado tanto como esa noche. La descubrí gracias a Óscar Andrade y The Police, pero fue el cantautor quien se transformó en el modelo, en el culpable de haber aprendido a tocar la guitarra sólo para cantar canciones y querer decir cosas.


"Tiempo", un álbum símbolo del Canto Nuevo

foto de Oscar Andrade en vivoEse mismo año, entre propuestas televisivas y radiales del mercado musical en español muy tediosas y carentes de talento (con la excepción de dignos entrometidos en aquellas programaciones como Ana Belén, Víctor Manuel, Serrat o Silvio Rodríguez), como también en medio del enorme bombardeo anglosajón proveniente de radios FM como Carolina, La Ciudad y Concierto, emergía a la superficie un movimiento de artistas que poco a poco daba a conocer sus críticas canciones en medio de un país gobernado por una dictadura que no toleraba ese tipo de demostraciones culturales. Se trataba en su mayoría de cantautores que se presentaban con su guitarra en pequeños escenarios que se transformaron en los pocos lugares donde se podía respirar libre expresión. En medio de este panorama, y en una radio como Galaxia cuyos dueños eran partidarios del régimen militar, surgía colado, entrometido, el programa "Hecho en Chile" de Sergio Pirincho Cárcamo, como un espacio que promovía estas creaciones, muchas de ellas provenientes directamente de casets grabados de manera precaria. Y uno que llenó muchos minutos de esa programación fue Óscar Andrade, quien apoyado por el sello SyM de las hermanas Von Schrebler -las mismas del dúo de boleros Sonia y Myriam y que editaron también a Los Jaivas, Eduardo Gatti y Hugo Moraga-, publicó su primer álbum titulado "Tiempo".

imagen del logo del sello SyMEn Chile, por carecer de una industria que fabricara discos de vinilo tras el cierre de la IRT, sólo conocimos la versión en caset. En Argentina, RCA sí lo editó en long play, pero "Noticiero Crónico" fue censurado por las radios por recomendación de la junta militar albiceleste que la consideró una "canción protesta".

Al momento de recibir su "antorcha de plata" en Viña del Mar, Andrade hizo referencia a este movimiento musical, el canto nuevo, y tomó el obsequio como un reconocimiento público hacia sus colegas. El joven músico que se movía como pulga en el oído por los estudios de televisión, donde era tildado de rebelde, comenzaba a descubrir a sus pares contestatarios que tocaban en sitios más íntimos como el Café del Cerro en la calle Ernesto Pinto Lagarrigue, pero donde igual sintió el resentimiento de algunos que lo veían sólo como un "producto de la tele". Para Andrade cantar en televisión y participar en festivales no era sólo una cuestión de modas o dinero para vivir: era también una manera de masificar su contenido, algo que se transformó en una lucha que dura hasta el día de hoy.

foto de una presentación en el Café del CerroLas canciones de raíz folclórica que escuché en Viña eran acompañadas en el "disco" por tres canciones cuya temática abordaba las vicisitudes de la vida del músico y su lucha por mantener en pie su voluntad, como "El Vuelo" ("desde un umbral sin genio ni amor / te atrapan y ofrecen un mundo irreal / desde un umbral un pincel de metal / te mancha la esencia / que dios no les quiso brindar"), o "Canción sin voz" ("la noche muestra en sus fauces / las calles de la ciudad / que en mil luces se resisten / a dejarse devorar / siendo esta noche bohemia / la testigo a presenciar / los quebrantos de un artista / por sus sueños sin lograr"), donde destacaba la flauta traversa de Sebastián Palacios, otro de sus colaboradores habituales y que rememoraba a Ian Anderson en Jethro Tull. Pero Andrade también tenía una marcada influencia del Rock Progresivo, muy presente en "Samba Espacial" y sus sonidos sintetizados fundidos con una guitarra acústica siempre presente ("variados astros de luz / se encienden para iluminar mi actuación / mi canto espacial quiere surcar / el espacio y así libre quedar / de la gravedad") con un aire similar al de muchas canciones de los también británicos Emerson, Lake & Palmer. Tan admirador de esta banda era Andrade, que no es difícil adivinar de dónde provino el nombre de su primer hijo para quien compuso una canción que también es parte de Tiempo: "Emerson" ("y paso a paso descubrirás / que recibir y dar es bello / sin esperar pago al final / pues un amigo no es comercio").


Benedetti

Sin embargo, es otra canción la que muchos descubrimos en este trabajo y que se transformó no sólo en un corte de venas colectivo para unas cuantas generaciones. "La Tregua", una canción que Andrade fue puliendo en su letra y música con el paso del tiempo, fue, es y será uno de los clásicos del cancionero popular chileno, una de las canciones de amor más hermosas que se hayan compuesto.

Escuchas
LA TREGUA (versión 1982)

Track 7 – Tiempo

Dónde está el mundo que
dijimos nunca iba a acabar,
Dónde está el mundo que
vivimos sin medir
lo que era nuestra edad.

Tu juventud me hizo soñar
y en mis canas brilló el sol
tu libertad vació en mí
todo lo que un hombre
quisiera sentir.

Y hoy el cambio
me impide resistir
un amor con fin.

Gracias por la tregua
que le diste a mi existir
gracias por la forma
de hacerme ver que yo también
sé de amor.

El tiempo va sin regresar
llevándose los hechos,
dejando atrás mi realidad
y haciendo del presente
mil recuerdos.

Que se crearon
del futuro que acabó
en el ayer.

Gracias por tu cuerpo,
gracias por amarme así,
gracias por tu vida
que no viviré.

Gracias por la tregua
que le diste a mi existir
gracias por la forma
de hacerme ver que yo también
sé de amor.


foto de Mario BenedettiPero Óscar Andrade no sólo es importante por sus canciones, por ser un compositor notable y promotor de la obra de otros músicos. También es el "culpable" de que muchos de nosotros hayamos conocido a uno de los escritores latinoamericanos más importantes de la literatura universal.

"Basada en la novela homónima de Mario Benedetti" señalaba el paréntesis que acompañaba el título de la canción en el cuadernillo del caset... y yo, como tantos más, corrí a investigarlo y descubrirlo. En el camino pude conocer poemas aún atesorados ("Te quiero", "Táctica y estrategia", "Ausencia de Dios", "Defensa de la alegría", "Si Dios fuera una mujer"), sus cuentos, sus ensayos y sus novelas. Y fue al leer "La Tregua" que descubrí que la literatura "amorosa" era un medio mucho más poderoso del que creía hasta entonces. Martín Santomé, un cincuentón viudo sumido en la rutina y oscuridad de los años, conoce a una chica de 24, Laura Avellaneda, que llega cual ángel enviado por los dioses a llenar de esperanza su vida gris, a hacer brillar sus canas la sol, a hacerlo soñar con su juventud... hasta que la tragedia se instala para desafiarlo, como en la vida misma, como en los libros. Fue la primera vez que lloré con una lectura, y todavía me emociona recordarla. Es que en aquella época, cada chica que se marchaba o cada chica que te rechazaba, era una Laura que moría haciéndote desgarrar de dolor por el amor que se iba... o que nunca fue.

Los productores televisivos en 1978 ni soñaban que una de las canciones postulantes al siempre mediocre Festival OTI, se basaba en la obra del uruguayo (yo creo que ni lo conocían), y que su compositor e intérprete, nacido en Talca, hijo de un entrenador de fútbol y que en sus inicios cantaba en trenes por unas monedas, no sólo era una figura promisoria, sino uno de los más grandes talentos de la cultura chilena, un agudo corresponsal de este "tiempo", uno que aún tendría más capítulos que escribir y cantar, y que ya contaré cuando me refiera más adelante a sus álbumes "Vida", "En tour..." y al alemán "Desde la luz".

por Denis Leyton

más información en
Sitio oficial de Óscar Andrade
Página Facebook de Óscar Andrade
Grupo Facebook de Óscar Andrade
Óscar Andrade en Last FM
Sitio de Óscar Andrade en alemán

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JAZZUALITY, Carita Boronska (2007)

La compositora y cantante Carita Boronska y su nuevo CD "Jazzuality".

Contratapa del álbum Jazzuality Sí, yo también pensaba que sitios como MySpace eran algo así como un fotolog, un espacio para que adolescentes pusieran un aviso para ofrecerse a sí mismos, buscando amigos, parejas o compañía sexual. Bueno, aparte de eso (porque sigue siéndolo), descubrí sus bondades como una eficiente red social, el punto de encuentro donde personas de intereses comunes intercambian información y promocionan sus obras. Así es como encontré una serie de exponentes del cine, del teatro, ¡de la literatura! y de la música de todo el planeta que hoy me tienen francamente sorprendidos por su calidad. Son tantos los artistas que hay en el mundo, que me siento emocionadamente pequeño… ¡hay tanto por descubrir y aprender aún!

De esta manera fue que llegué a esta nueva sorpresa para mí. ¿Por qué las voces del jazz son preferentemente femeninas y la ejecución, masculina? CARITA BORONSKA es una compositora y cantante nacida en la ciudad de Uppsala, a 70 kilómetros al norte de la Estocolmo, la capital de Suecia, allí donde también nació el gran Ingmar Bergman.

Esta artista escandinava lanzó en abril de este año un álbum fenomenal, “Jazzuality”, editado en España, país en el que reside desde hace algunos años.

imagen de la partitura de Crazy WorldEstudió música en Dinamarca y en la Berklee College of Music de Boston, para luego formar bandas, ganar premios como mejor compositora joven, ser profesora y trabajar en publicidad. De hecho, en España hasta hace poco sólo era conocida masivamente como el personaje que canta una canción a su banda desde un teléfono móvil, en un spot de Movistar. Pero desde su llegada a la península ibérica hace unos diez años aproximadamente, ya se había destacado como intérprete en vivo y, sobretodo, como compositora para cine y tv, campo en el que habitualmente las chicas no han desarrollado su talento, lo que demuestra la calidad musical de la sueca (es injusto resumir así una carrera como la ella en tan pocas líneas).

Ves
CRAZY WORLD

track 2


foto de Carita Boronska en vivoAnnika Carita Boronska Uneståhl, de unos treintaitantos que parecen veintialgo, se despachó un disco lleno de gracia, por decir una palabra coloquial que pueda abarcar algo de los atributos presentes en él (arreglos, composiciones, adaptaciones y técnica vocal). Bajo un sugerente título, “Jazzuality”; al amparo de una casa discográfica pequeña, “El pescador de estrellas”; y dirigido y producido por el músico Paco Ortega, el disco es un cuerpo de 11 canciones y un bonus track, preferentemente en inglés, que hacen lucir su voz sin estridencias y acompañada de una banda sólida donde se destaca el sonido y la personalidad del contrabajo a cargo de Antonio “Toño” Miguel (“Killer blow” es sólo una muestra). Boronska compuso seis de las doce canciones, donde “In your eyes” (compuesta junto a Pepe Torres, ese notable pianista que la acompaña), “Crazy World” y “Take the day off”, me parecen las obras de un músico avezado, experto.

Ves
THE BEAT GOES ON

bonus track


De los covers que interpreta Carita, de unos agudos sumamente agradables, hay que decir que también se atreve con lo que parece ser la prueba de fuego para todas las cantantes de jazz: “My funny Valentine”, de Rodgers y Hart. Y por cierto, es uno de los bellos momentos del disco. Como especial es también su versión para “Come together”, de The Beatles. En general, no me gustan las canciones reversionadas, porque rompen su encanto primitivo, incluso cuando sus intérpretes originales realizan cambios en el tiempo para no aburrirse de ellas. Y una de The Beatles… mmm… hay que ser valiente… y creativo. Así es como Carita y sus chicos reinventaron la canción y crearon una nueva manera de aceptarla y disfrutarla, con coros soul y un rapeado de por medio. Para mí, sólo la brasileña Rita Lee en “Bossa’n Beatles” había resultado airosa en una aventura similar. Mis preferidas, en tanto, son el bonus, la adaptación que hizo para la canción de Sony Bono “The beat goes on”, que forma parte de la banda de sonido de la película “La gran vida”, y la versión en inglés para la canción “Estando contigo”, del catalán Augusto Algueró, que aquí se llama “When i’m with you”, donde Carita expone una sensualidad a punto, elegante, sin rebasar. Gran versión (Algueró es uno de esos monstruos musicales que, entre otras gracias, se le ocurrió un día hacer un par de canciones como “Penélope”, el clásico del repertorio de Serrat, y “Noelia”, otro tanto del catálogo de Nino Bravo).

Escuchas
WHEN I’M WITH YOU

track 4




foto de la carátula del álbum JazzualityBueno, he mencionado casi todas las canciones de uno de mis nuevos discos de cabecera, uno que descubrí espiando nueva y buena música para mis oídos en MySpace. Es que al final es uno el que le da vida a las cosas, el que le da uso a las herramientas. Lo demás son prejuicios.

Espero escuchar pronto a Carita jazzeando en español. ¿Y dije además que escribe guiones de cine y que es una prominente realizadora? Me gustan las personas inquietas y que no se encasillan en una sola área. ¿Para qué hacerlo si existe capacidad para poder hacer más?

por Denis Leyton

más información en
Carita Boronska en MySpace
Berklee Music Carita Annika Boronska
El pescador de estrellas Catálogo


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PRIMOGÉNITA, Ammy Amorette (2003)

Ammy Amorette, Primogénita, Jazz.

Seleccionar “Primogénita” (2003) y pulsar play en el reproductor, es encontrarte con la voz más coqueta de la escena jazzística chilena. Pero no se trata sólo de eso, de una bonita voz. AMMY AMORETTE me sorprendió gratamente porque expone diversas técnicas vocales en una suerte de experimentación y de juego. Y como ya he dicho antes, me agrada oír álbumes como éste en donde los músicos parecen divertirse mucho con su trabajo, eso se nota. Pero hay más. Junto con todo lo anterior, hay que sumar el hecho de que escribe casi todas las letras del álbum. Pero, ¿quién es ella? Partamos diciendo que tiene estudios en Canto Lírico en la Universidad Metropolitana y de Intérprete en Canto Popular en la Escuela Moderna de Música, ambas de Santiago; que se trata de uno de los nombres más recurrentes de la escena jazz-pop de Chile; que su nombre, según aclara en su biografía, significa “a mi amor” (idea de su abuela); y que, además de músico, es “emprendedora” y porfiada.

Es que atravesando todas las barreras de la burocracia, la amistocracia, la modacracia y todas esas instituciones oscuras y subterráneas, logró que el jurado del Fondart (Fondo de la cultura y las artes de Chile) le otorgase el dinero necesario para grabar este disco. De todos modos el agradecimiento al “gobierno de Chile” en el librillo del CD parece un tanto excesivo. Es que el resultado habla por sí solo: el gobierno debería dar gracias por poder poner su logo en un trabajo con tanta calidad como éste.

Para “Primogénita” Ammy no se guardó nada y convocó a una lista de músicos de primer nivel: CHRISTIAN GÁLVEZ en bajo; FÉLIX LECAROS en batería; el trompetista SEBASTIÁN JORDÁN; LAUTARO “Talo” QUEVEDO en piano; y AGUSTÍN MOYA en saxo. Pero además de otros personajes que participan en esta obra como TOLY RAMÍREZ, me sorprendió especialmente la colaboración de dos nombres. Ammy hace una renovada (para mí) versión de “Te tendría”, de Rodrigo Santa María, uno de los grandes músicos y compositores que he descubierto en los últimos años y que conocí acompañando a una de mis preferidas, Bárbara Lira, quien en su CD “Cenizas” canta esta misma canción. Y el otro nombre, y tal vez el que más emoción me provoca, es el de Cristian Santis, quien participa en los arreglos de algunas canciones. Este brillante pianista, compositor, arreglador y docente es parte del paisaje de una parte importante de mi historia, puesto que fue un apoyo permanente a comienzos de los ’90 a ese proyecto musical llamado “Kitsch” que integré junto a Vicho, Carlos y Vigliensoni, además de dos vecinos de Santis: Buggy y Pancho González.

Como un simple oyente, no quedo indiferente ante el swing de “A ver” (“esta melodía que me está alucinando”) y ese estribillo que está para cantarlo a coro en vivo, bien fuerte.

Escuchas
A VER

track 1 (arreglos de Cristian Santis)



Cuanto en nuestra vida ha pasado
buscamos el fondo sin llegar a ni un lado
caminos eternos, universos, cantando
esta melodía que me está alucinando

cantos que se van a prender
en momentos de alta y pura magia
puede que tenga este poder
círculo eterno de mil miradas
que vendrán, que se irán
¿dónde están?

dicen que vienen a mí
cuando menos las esperan
dicen que vienen a ti
cuando menos las esperan

cuanto en nuestra vida ha pasado
buscamos el fondo sin llegar a ni un lado
laberinto eterno, universos, cantando
esta melodía que me está acunando

cantos que se van a prender
en momentos de alta y pura magia
puede que tenga este poder
círculo eterno de mil miradas
que vendrán, que se irán
¿dónde están?

dicen que vienen a mí
cuando menos las esperan
dicen que vienen a ti
cuando menos las esperan

cantos que se van a prender...

dicen que vienen a mí...


En “Bienvenido al sur” también nos encontramos frente a una cadencia pegajosa y una letra que alude a un imaginario oasis mental, el sur, donde no debe regir el estrés ni la velocidad de la vida moderna (“no puedo vivir de tu dolor / sácate las normas, por favor / vive del momento con acción / de disfrutar en cada idea / entregándote, aliviándote, mejorándote / bienvenido al sur”). En “Tema 3 ó 4” Ammy hace una declaración de principios a ritmo sincopado, declarándose partidaria de la libertad, la verdad y el optimismo (“sólo sabré / respetar a quien / ama y diga todas las verdades / y sonreiré / a quien pueda ver / de la vida una oportunidad”). También me agrada mucho “Aprofasis”, también compuesta por Santa María, “Bossa y Ron” y “Zamba enamorada” (“Ay, ¡cómo quisiera oírte! / Ay, ¡cómo quisiera amarte! / que si yo no logré llamar / estuve pensando yo en ti / siempre en ti”).

Ammy Amorette posee un proyecto musical paralelo llamado “Bipolar” junto al músico electrónico Ariel “Aéreo” Lechuga.

por Denis Leyton

más información en
Ammy Amorette Cantante y Compositora
Ammy Amorette en MySpace
Bipolar en MySpace


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THE LITTLE WILLIES, The Little Willies (EU-2005)

The Little Willies, el trabajo paralelo de Norah Jones.

carátula del álbum de The Little Willies La historia es más o menos así: un grupo de cinco amigos músicos se reunieron un día para despejarse del trabajo que tenían en sus respectivos proyectos. Se juntaron en el “Living Room”, un sitio ubicado en el barrio lower east side de Nueva York, llamado Losaida por los latinos. Entonces, entre trago y trago, tomaron los instrumentos y empezaron a improvisar un poco, hasta que la cosa se transformó en hábito.

Se siguieron reuniendo cada vez que coincidían en la ciudad, incorporando paulatinamente composiciones propias, además de los covers que siempre tocaban por placer. Con un disco en vivo en mente, el grupo finalmente optó por grabar en estudio, aceptando la proposición de dos de los integrantes de la banda que tenían la infraestructura necesaria en casa, la pareja compuesta por el bajista Lee Alexander y la pianista-cantante Norah Jones. Sí, la misma de "Come away with me", "Sunrise" o "Don’t know why". ¡Tremenda!

Así nace esta banda y su disco homónimo, "The Little Willies", con trece canciones con sabor a jazz, blues y country, que rememora con su nombre a Little Willie John, un mítico exponente del Rhythm and Blues de fines de los ’50 e inicios de los ’60, responsable de poner en los oídos del mundo la canción "Fever", la que conocimos posteriormente en versión hot gracias a Madonna en el álbum "Erotica" de 1992. Pero no era el único. El viejo, querido y negro jazz también cuenta entre sus filas con Little Willie Littlefield quien con más de 70 años de edad sigue rompiendo el piano con su R&B.

foto de los integrantes de The Little Willies

Escuchas
ROLY POLY

track 1



Roly Poly, eating corn and taters
Hungry every minute of the day
Roly Poly, gnawing on a biscuit
Long as he can chew it it’s okay

He can eat an apple pie
Never even bat an eye
He likes everything from a soup to hay
Roly Poly, daddy’s little fatty
Fatty’s gonna be a man someday

Roly Poly, scrambled eggs for breakfast
Bread and jelly twenty times a day
Roly Poly eats a hardy dinner
He needs lots of strength to sing and play

He’s up at dawn and does the chores
He runs both ways to all the stores
He works up an appetite that-a-way
Oh, Roly Poly, daddy’s little fatty
Fatty’s gonna be a man someday

por Denis Leyton


más información en
Sitio oficial de The Little Willies
The Little Willies en MySpace
The Little Willies en Blue Note Records


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NOT TOO LATE (EU-2007): nunca es demasiado tarde para Norah Jones

Comentario sobre el álbum "Not too late" de Norah Jones

carátula del álbum Not Too Late Mis preferencias musicales están en Latinoamérica y Europa, eso es definitivo. Siempre fue igual y eso se mantiene. Sin embargo, Estados Unidos es un país de una tradición musical exquisita que por ningún motivo me es indiferente, bastando mencionar sólo algunos nombres que forman parte de mis CDs y MP3: Muddy Waters, B. B. King o John Lee Hocker (blues); Bunny Berigan, Charlie Parker, Louis Armstrong, Ella Fitzgerald, Dizzy Gillespie o Herbie Hancock (jazz); Kenny Rogers, Johnny Cash, Shania Twain, John Denver, Kris Kristofferson, Willie Nelson, o Dolly Parton (country). Son precisamente estos estilos y todas sus variaciones, lo que marca el sonido y el espíritu de las canciones de NORAH JONES, la que para mí es el mayor talento musical de la norteña región en la actualidad, donde comparte honores con otras compositoras e intérpretes notables como Fiona Apple o Aimee Mann (dejo de lado a Madonna, que con otro estilo, es la reina indiscutida del espectáculo mundial).

Es notorio que “NOT TOO LATE” es un álbum con sonidos más próximos al country. Esta compositora e intérprete que, sentada al piano deslumbró al mundo con un sonido jazzístico ignorado hasta ese momento por las radios de música popular (ironía de los tiempos), ahora ratifica una tendencia más cercana al folk. En su última producción como integrante de “The Little Willies", ya reforzó su cercanía con el Bakersfield sound y el outlaw country que impusiera Willie Nelson, y que aquí vuelve a asomar. Sin embargo, es un blues el que trastorna mis oídos en este disco: “SINKIN’ SOON”, una canción espectacular, en especial por el solo de trombón de J. Walter Hawkes y el sonido del guitjo (instrumento nacido de la cruza entre el banjo y la guitarra) a cargo de Jesse Harris.

Ves
SINKIN’ SOON

Not too late (track 2)

We’re an oyster cracker on the stew,
And the honey in the tea,
We’re the sugar cubes, one lump or two,
In the black coffee,
The golden crust on an apple pie,
That shines in the sun at noon,
We’re a wheel of cheese high in the sky,
But we’re gonna be sinkin’ soon.

In a boat that’s built of sticks and hay,
We drifted from the shore,
With a captain who’s too proud to say,
That he dropped the oar,
Now a tiny hole has sprung a leak,
In this cheap pontoon,
Now the hull has started growing weak,
And we’re gonna be sinkin’ soon.

We’re gonna be
Sinkin’ soon,
We’re gonna be
Sinkin’ soon,
Everybody hold your breath ’cause,
We’re gonna be sinkin’ soon

We’re gonna be
Sinkin’ soon,
We’re gonna be
Sinkin’ soon,
Everybody hold your breath ’cause,
Down and down we go.

Like the oyster cracker on the stew,
The honey in the tea
The sugar cubes, one lump or two?
No thank you none for me.
We’re the golden crust on an apple pie,
That shines in the sun at noon,
Like the wheel of cheese high in the sky
Well ... we’re gonna be sinkin’ soon.


foto de Norah JonesEn la línea de las famosas “Come away with me” o “Don’t no why” está la hermosa “UNTIL THE END” (You’ve got a famous last name / But you’re not to blame / Baby I see you for who you are). Otra balada de melodía dulce es “NOT MY FRIEND”, donde la voz de Norah luce hermosa, delicada.

¿Dije que me fascinan los instrumentos de viento? En “THINKING ABOUT YOU” (“ayer vi el sol brillar/y las hojas caían lentamente/mis manos frías necesitaban calor/un toque de calor/y pensé en ti”), una trompeta suave y en segundo plano crea una atmósfera muy particular.

Ves
THINKING ABOUT YOU

Not too late (track 6)

Yesterday I saw the sun shinin’,
And the leaves were fallin’ down softly,
My cold hands needed a warm, warm touch,
And I was thinkin’ about you.

Here I am lookin’ for signs of leaving,
You hold my hand, but do you really need me?
I guess it’s time for me to let you go,
And I’ll be thinkin’ about you,
I’ll be thinkin’ about you.

When you sail across the ocean waters,
And you reach the other side safely,
Could you smile a little smile for me?
’cause I’ll be thinkin’ about you,
I’ll be thinkin’ about you,
I’ll be thinkin’ about you,
I’ll be thinkin’ about you.


foto de Norah JonesTambién destaco “MY DEAR COUNTRY”, un curioso vals que Jones dotó de una melodía también muy hermosa. Aquí se despachó una letra buenísima, donde utilizó la figura literaria de la comparación para asimilar la noche de halloween con el horror del día de una elección. Ese día sí que da susto (“nothing is as scary as election day”). En esta canción ella asume la tardía autocrítica del pueblo estadounidense por la elección de Bush Junior. Cuando todos en el mundo les pedíamos que no votaran por él, los estadounidenses se engrupieron con el discurso republicano y reeligieron al títere de Bush Padre, el verdadero jefe de la mafia petrolera que se tomó la Casa Blanca (“we believed in our candidate / but even more it’s the one we hate”). Norah asume el amor por su terruño, pero sin entender por qué a veces actúan como lo hacen (“i love the things that you’ve given me / i cherish you my dear country / but sometimes i don’t understand / the way we play”).

Ves
MY DEAR COUNTRY

Not too late (track 8)

’Twas Halloween and the ghosts were out,
And everywhere they’d go, they shout,
And though I covered my eyes I knew,
They’d go away.

But fear’s the only thing I saw,
And three days later ’twas clear to all,
That nothing is as scary as election day.

But the day after is darker,
And darker and darker it goes,
Who knows, maybe the plans will change,
Who knows, maybe he’s not deranged.

The news men know what they know, but they,
Know even less than what they say,
And I don’t know who I can trust,
For they come what may.

’cause we believed in our candidate,
But even more it’s the one we hate,
I needed someone I could shake,
On election day.

But the day after is darker,
And deeper and deeper we go,
Who knows, maybe it’s all a dream,
Who knows if I’ll wake up and scream.

I love the things that you’ve given me,
I cherish you my dear country,
But sometimes I don’t understand,
The way we play.

I love the things that you’ve given me,
And most of all that I am free,
To have a song that I can sing,
On election day.

por Denis Leyton


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Sitio Oficial de Norah Jones
The Norah Jones Community Sitio No Oficial
Norah Jones en Blue Note Records

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 Norah Jones |  Not Too Late
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Ya es una realidad: NO PROMISES, Carla Bruni (2007)

"No Promises", el segundo álbum de Carla Bruni.

carátula del álbum No Promises Comenzar el año con un nuevo álbum de CARLA BRUNI es como despertar con una compañera que sigue igual de hermosa por la mañana. Es como que el día va a ser especial. Comenzar un nuevo año escuchando nuevas canciones de esa voz que compite en belleza con su rostro es lo máximo. ¡Es linda la Carla! Quizás lo que más me sorprendió fue la ausencia de canciones en francés. Esta vez la ítalo-francesa optó por musicalizar poemas de notables autores anglos (el irlandés William Butler Yeats; el inglés nacionalizado estadounidense Wystan Hugh Auden; los también ingleses Christina Rossetti y Walter de la Mare; y las estadounidenses Dot Parker y Emily Dickinson), lo que cortó las expectativas que tenía de continuar mi romance con la sensual pronunciación del francés por parte de la chicas galas. Y en esto la Bruni la lleva. Cuando Carla canta, no es necesario verla modelando ni nada. Su voz llena todo el imaginario del erotismo musical.

"NO PROMISES" confirma entonces esa sentencia que tan bien se ganó con “Quelqu’un m’a dit ”: no hay nada más admirable que un ser bello dotado de talento artístico e inteligencia. ¿No es admirable acaso Brad Pitt, que es un tipo bello (sí, qué tanto, es así), pero que además actúa de manera extraordinaria?

foto de Carla BruniEn este nuevo álbum, la ex estudiante de arquitectura confirma un estilo de canción íntima, con arreglos básicos, de escaso apoyo a lo que su guitarra acústica y la típica segunda guitarra de fondo brindan como base. Es tan así, que aquí un par de arpegios de guitarra eléctrica muy en segundo plano (“Before the world was made”, “Promises like pie-crust”) rememoran demasiado al folk estadounidense, lo que parece un tanto fuera de lugar. De hecho, si no es por su voz, “I felt my life with both my hands”, parece que no fuera una canción de ella: mucha eléctrica, mucha batería.

Ahora bien, donde la percusión pop y el acompañamiento están en el punto preciso es en la muy LouReediana “If you were coming in the fall”, mi favorita. Aquí Carla Bruni juega con la letra, dialoga, ironiza. La misma tendencia que exhibe en el promocional “Those dancing days are gone”, otra canción con espíritu juguetón.

Ves
THOSE DANCING DAYS ARE GONE

No Promises (track 1)

Poema del irlandés William Butler Yeats (1865-1939)

Come, let me sing into your ear;
Those dancing days are gone,
All that silk and satin gear;
Crouch upon a stone,
Wrapping that foul body up
In as foul a rag:
I carry the sun in a golden cup.
The moon in a silver bag.
(I carry the sun in a golden cup.
The moon in a silver bag.
)

Curse as you may I sing it through;
What matter if the knave
That the most could pleasure you,
The children that he gave,
Are somewhere sleeping like a top
Under a marble flag?
I carry the sun in a golden cup.
The moon in a silver bag.
(I carry the sun in a golden cup.
The moon in a silver bag.
)

(Come, let me sing into your ear;)
I thought it out this very day.
Noon upon the clock,
(All that silk and satin gear;)
A man may put pretence away
Who leans upon a stick,
May sing, and sing until he drop,
Whether to maid or hag:
I carry the sun in a golden cup,
The moon in a silver bag.
(I carry the sun in a golden cup.
The moon in a silver bag.
)

(Come, let me sing into your ear;
Those dancing days are gone...

All that silk and satin gear;
Crouch upon a stone...

Wrapping that foul body up
In as foul a rag...

I carry the sun in a golden cup.
The moon in a silver bag
).


Uno de los momentos típicamente Bruni lo aportan “I went to heaven”, “Ballade at thirty-five” y “Afternoon”, que rememoran a canciones del CD anterior como “Tout le monde”, “La noyée” y “Le ciel dans une chambre”.

foto de Carla BruniComo juicio inmediato y muy preliminar, me quedo con el disco anterior. Sin embargo, este es un buen trabajo, una entrega de más variedad para ese estilo cachondo-poético que tanto atrae a hombres y mujeres. Aunque no deja de llamarme la atención esta tendencia de los europeos a cantar cada vez más en inglés. Sí, que el idioma universal, que así nos entendemos todos, que blablablá. Pero en el camino, dejan de lado sus marcas registradas tan bellas, sus idiomas, ¡sus pronunciaciones!, sus estilos, sus sonidos. Por ejemplo, Keren Ann ya grabó en inglés en “Nolita” (incluso se fue a vivir a EU). Ahora lo hace Carla Bruni. Por años lo han hecho los alemanes, los suecos y los escandinavos. Está bien: hay que abrir mercados, pero que eso no signifique dejar de lado el sonido propio. Matizar no vendría mal. Creo que la tentación del dinero es tan grande que parecen olvidar todo el encanto cultural europeo. Como dice Bosé: "de qué me hablas chica... pero qué libertad, qué clase de cultura... pero qué presidente ni qué rascacielos, pero qué coño dices". Pareciera que muchas chicas quieren ser Norah Jones, pero nadie les dice que Norah hay una sola y que ellas con sus estilos son tanto o más originales. No es lo mismo Carla Bruni cantándote al oído en francés que en inglés, eso está claro.

foto de los ojos de Carla Bruni

Pero de igual modo… ¡qui jolie, qui belle est Carla!

Ves
IF YOU WERE COMING IN THE FALL

No Promises (track 7)

por Denis Leyton


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Sitio Web Oficial de Carla Bruni
Carla Bruni en MySpace

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EL TREN DE LOS MOMENTOS... mmm... te lo agradezco, pero no

Comentario sobre el álbum "El tren de los momentos" de Alejandro Sanz.

foto de la carátula del álbum El Tren de los Momentos En algún tonto momento creí que este artista traspasaría la barrera del mamonismo, esa que te hace componer sólo baladas románticas lloronas y bien chulas (en Chile: “algo de mal gusto”, "ordinario" o “vulgar”; sinónimo: “picante, cebolla”). Pero me equivoqué. ALEJANDRO SANZ no se atrevió a cruzar la vereda como sí lo hiciera en su momento, por ejemplo, Miguel Bosé, quien entendió que su capacidad iba más allá de seguirle el juego a la industria e hizo que ésta se adaptara a él, modificando su estilo, incluso, impostando su voz de manera diferente, como queriendo alejarse de la imagen de mero producto. Se trata de la actitud de un grande, de un monstruo, que igual le entrega millones de euros a su casa discográfica. Es que hizo que los habitantes de las dos veredas le diéramos permiso para transitar de un lado a otro, porque demostró que su evolución, su intención constante de reinventarse, es una actitud valiente, es decir, la de un artista del arte, y no la de un artista del mercado.

Después de escuchar “No es lo mismo”, creí que Sanz estaba en esa misma línea. Que de las insoportables baladas de su primera etapa, había encontrado el espacio para buscar nuevos sonidos, experimentar y contar cosas que fueran más allá de las divagaciones amorosas que muchas veces se tornan repetitivas y letárgicas. No hay nada peor que un artista talentoso que se queda en lo de siempre. “No es lo mismo” fue el encuentro de las dos veredas, públicos que no se topan que ahora se veían las caras por primera vez. A él también empezábamos a darle permiso. Pero al parecer se trataba sólo de un espejismo.

Voy a dejar las cosas en su lugar: Alejandro Sanz es un tremendo músico. Toca la guitarra con gran talento; su técnica de escritura es bastante peculiar, estirando muchas veces la línea del verso hasta límites que escasos autores en el mundo se atreven a alcanzar; sabe escribir poesía; posee un timbre de voz aflamencado muy particular… en fin. Son muchos los motivos para definirlo como un artista tremendo. Sin embargo, “El tren de los momentos” debe ser uno de los discos más desilucionantes y aburridos que he escuchado. Mantiene toda la calidad de la “técnica”, pero adolece de “onda”, de identidad. Sacó algunos elementos del disco anterior y los introdujo en canciones que no van a ser recordadas en el tiempo, porque son una vuelta a lo mismo. Destaco en todo caso algunas canciones como "Enséñame tus manos", "Te lo agradezco, pero no" (con Shakira y sus caderas) y "Te quiero, te temo". La discografía del español para mí sigue ciñéndose a "No es lo Mismo" y algunas canciones sueltas.

por Denis Leyton

más información en
Sitio Oficial de Alejandro Sanz

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12 SEGUNDOS DE OSCURIDAD, el nuevo CD de Jorge Drexler (2006)

En la canción que da el título al nuevo CD del charrúa Jorge Drexler, podemos encontrar un resumen de su propuesta a lo largo de todos estos años. Los doce segundos de intervalo entre un destello de luz y otro, del faro del Cabo Polonio (sudeste de Uruguay), quizás puedan parecer demasiado tiempo para los impacientes, para los que desean una voz potente, un sonido estridente o una melodía de asimilación rápida.

“12 segundos de oscuridad para que se vea desde altamar, de poco le sirve al navegante que no sepa esperar”. Así es la música de Jorge Drexler, un llamado a la calma, a la respiración profunda, al goce del talento. Mientras escucho “12 Segundos de Oscuridad”, en la televisión muestran a las fanáticas que esperan por Robbie Williams afuera del hotel, los periodistas hablan de su avión y de la modelo que se acostó con él en Argentina.

¡Qué distinto mundo habitamos algunos!, ¡de cuántas variadas especies se compone la raza humana! Jorge Drexler nos invita a reflexionar, a cuestionarnos, a reírnos… a olvidarnos de la competitividad y el movimiento ruidoso. Doy gracias infinitas por haber descubierto su música y su poesía.

Escuchas
12 SEGUNDOS DE OSCURIDAD

track 1



Gira el haz de luz
para que se vea desde alta mar
yo buscaba el rumbo de regreso
sin quererlo encontrar

Pie detrás de pie
iba tras el pulso de claridad
la noche cerrada, apenas se abría,
se volvía a cerrar.

Un faro quieto nada sería
guía, mientras no deje de girar
no es la luz lo que importa en verdad
son los 12 segundos de oscuridad,

12 segundos de oscuridad
para que se vea desde alta mar
de poco le sirve al navegante
que no sepa esperar.

Pie detrás de pie
no hay otra manera de caminar
la noche del Cabo
revelada en un inmenso radar.

Un faro para sólo de día,
guía mientras no deje de girar
no es la luz lo que importa en verdad
son los 12 segundos de oscuridad,
12 segundos de oscuridad,
12 segundos de oscuridad,
para que se vea desde alta mar.


“Eco” (su anterior grabación) debe ser uno de lo discos más impactantes que haya escuchado en mi vida, por lo que intentar hacer comparaciones con este último trabajo es francamente absurdo. Quizás siempre espero la reinvención del artista, pero como todos, también temo al cambio brusco que se aleja del estilo, de la marca registrada. Aquí el sello Drexler se mantiene intacto. Sus letras siguen buscando poesía en el día a día, como en “La infidelidad en la era informática”, con sonidos de teclado, mouse y aviso de Messenger incluidos, mezclados con una letra cargada de drama y jerga computacional: “Aquel mensaje que no debió haber leído / aquel botón que no debió haber pulsado”, para narrar la historia de una infidelidad descubierta, “y en esa espiral, la lógica duerme… y no hay contraseña, prudencia, ni un pin que aguante el embate de un cracker celoso / Y la obsesión desencripta en lo críptico”. ¡Total!

Foto de Jorge Drexler componiendoDespués de repasar un par de veces algunas canciones, queda claro que en la vida del oriental la palabra separación lo marcó últimamente. En “La vida es más compleja de lo que parece”, Drexler reflexiona que “mejor o peor, cada cual seguirá su camino / cuánto te quise, quizás seguirás sin saberlo / lo que dolería por siempre ya se desvanece / la vida es más compleja de lo que parece”.

Una de las características de 12SDO es la presencia de invitados insignes como Kevin Johansen. La brasileña Maria Rita (culpable de una bella versión de “Mal Intento” en su CD “Segundo”), canta a dúo la canción “Soledad”, donde el ex doctor, cual gaucho, pareciera cantar montado a caballo, como una reencarnación de su tocayo argentino Cafrune (¡qué ganas de estar de nuevo en La Cuesta del Portezuelo para ver Catamarca!). El desfile de amigos también incluye, entre otros, a la actriz y cantante española Leonor Watling ("Hable con Ella", "La Mala Educación", "A mi madre le gustan las mujeres", "Inconscientes"), en “El otro engranaje”, donde hace una referencia analítica-poética del comportamiento sexual del ser humano occidental, en oposición a “Deseo”, su visión romántica que conocimos en “Eco”.

Escuchas
EL OTRO ENGRANAJE

track 5



El deseo sigue un curso paralelo,
y la historia es una red y no una vía,
días y noches de amor y de celos,
una cama se llena y otra se vacía.

Yo lo vi hasta en los hospitales,
escapándose al motel los cirujanos...
Tan complicados los simples mortales,
y tan fácil saber que se traen entre manos.

Y bajo los congresos, las giras, rodajes,
las ferias agrícolas y convenciones,
gira inexorable el otro engranaje,
la noria invisible de las transgresiones.

La vida también es aquellos mensajes,
la llamada hecha desde la esquina,
poco de negocio tenían los viajes,
todo de su amor, aquella oficina.

El cantante ávido de nuevas pieles...
Aquel literato lució su guiñada...
por los pasillos de tantos hoteles
el tráfico arrecia en las madrugadas.

Clara, evidente, manda la libido,
la fidelidad, brumosa palabra,
con su incierta lista de gestos prohibidos,
muerde siempre menos de lo que ladra,
muerde siempre menos de lo que ladra.

El deseo sigue un curso paralelo,
y la historia es una red y no una vía,
días y noches de amor y de celos,
una cama se llena y otra se vacía.

Y bajo los congresos, las giras, rodajes,
las ferias agrícolas y convenciones,
gira inexorable el otro engranaje,
la noria invisible de las transgresiones,
la noria invisible de las transgresiones.


Pero una de las sorpresas más potentes, es la inclusión de dos covers. El primero es “High and Dry” de Radiohead, con Drexler cantando en inglés, acompañado sólo de su guitarra y a la que hizo un arreglo hermoso. Y en segundo término, y para los amantes de “Guitarra y vos”, donde la canción es recitada y los versos son un llamado de atención, aquí nos encontramos con “Disneylandia”, una canción del grupo brasileño Titãs y con participación de uno de sus integrantes históricos, Arnaldo Antunes. Se trata de una pieza extraña que habla de un mundo donde la globalización y el capitalismo han creado un nuevo escenario intercultural al que debemos poner atención: “Armenios naturalizados en Chile buscan a sus familiares en Etiopía / Casas Prefabricadas canadienses hechas con madera colombiana / Multinacionales japonesas se instalan en Hong Kong y producen con materia prima brasilera para entrar a competir al mercado americano / Literatura griega adaptada para niños chinos de la comunidad europea / Relojes suizos falsificados en Paraguay /… / Turista francesa fotografiada semidesnuda con su novio árabe en el barrio de Chueca /… / niños iraquíes huidos de la guerra no obtienen visa en el consulado americano en Egipto para entrar en Disneylandia”.

Ves
TRANSOCEÁNICA

track 3

Voy en este vuelo transoceánico
oyendo tus versos melancólicos,
dejando que el sonido de tu voz
te traiga, así,
del modo más enérgico.

Me regalaste tus somníferos,
me diste tu oráculo sintético,
extraño método
de ahogar la sed, aquí,
lejos de tu lágrima.

Y uno no recuerda
hasta que punto nació para eso,
ni todo el amor
al que puede tener acceso.

Nada parece pasar página
a este anhelo, todo menos lánguido.
¿Cual es la lógica de que
se abra para mí
tu boca tan magnífica?

Dame calma y dame vértigo,
ven a llenar mis pocas horas lúcidas,
extraño método
de ahogar la sed, aquí,
lejos de tu lágrima.

Y uno no recuerda
hasta que punto nació para eso,
ni todo el amor
al que puede tener acceso.


La música sigue igual. Igual de bien: Bases rítmicas sencillas, aplicación de efectos de sonido propios del mundo audiovisual, experimentación técnica, grabaciones al revés, una guitarra acústica muy bien ejecutada, una voz suave, composiciones que siempre buscan el quiebre novedoso, el acorde inesperado y el arreglo rebuscado para la estructura clásica. ¡Qué ganas de verlo en Chile pronto!

Es que entre tanta tontera que rige a nuestros pueblos desde la tele y los diarios, un poco de calma (“todo está en calma, deja que el beso dure, deja que el tiempo cure”) es un regalo del Wenumapu. Es que “no es la luz lo que importa en verdad: Son los 12 segundos de oscuridad”.

Seguiré escuchando la canción homónima de 12SDO, la que habla del faro, porque las imágenes de un guión incompleto que intentamos escribir con la Pri se vienen de nuevo a mi mente: El Faro, El faro de Caldera, la escultura, el diseño de la Fran, la Fran y su relato de los asados en las calles de Montevideo, Uruguay, Cabo Polonio, otro faro, 12 segundos de oscuridad, Jorge Drexler.

por Denis Leyton

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Jorge Drexler Sitio Web Oficial
Jorge Drexler en MySpace 1
Jorge Drexler en MySpace 2


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